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DECALOGUE: 10 films pour explorer la mort et ses mystères

La mort a été explorée dans l'histoire de la cinématographie universelle sous différents angles, émotions, croyances et propositions, narratives et visuelles, qui ont laissé une série de films mémorables.

* Quelque chose est mort en moi pour rester en vie.

La mort a été explorée dans l'histoire de la cinématographie universelle sous différents angles, émotions, croyances et propositions, à la fois narratives et visuelles, qui ont légué une série de films mémorables. Au Mexique, les étoiles de la mort ont comme empreinte diverses célébrations dont le zénith habite la fête du jour des morts le 2 novembre, date qui, en tant que pile interculturelle de métissage, communie la mémoire, la nostalgie et l’attachement à la mémoire de ces saveurs, arômes et images qui nous permettent de rendre vifs les êtres chers qui sont partis et de les inviter à un festin d’offrandes volontaires. Heureuses de mysticisme et encadrées par la fumée de légendes de verre et d'encens, les fleurs d'un empressement jaune accompagnent les sépultures jusqu'aux cimetières, et l'amour manque pour l'embrasser dans la mémoire actuelle.

Le Jour des Morts évoque des souvenirs clairs de mon enfance, non seulement parce que je suis né le 2 novembre, mais parce que, dans les anecdotes des autels, je ne pouvais pas définir des sensations en un autre jour férié qui définisse davantage la vision du monde mexicain de la vie depuis la mort. Ainsi, face à une confrontation avec une altérité inextricable, avec le mystère d’un avenir incertain et avec une certitude de finitude, plusieurs réalisateurs ont versé dans leurs propositions cinématographiques une approche de la fin de la vie ou son extension dans n’importe laquelle de ses dimensions. Le livre de la vie (2014) de Jorge R. Gutiérrez offrait un panorama intéressant de films d'animation orientés vers la fête des morts, et Coco, le film d'animation sentimental, évocateur et le plus récent de Pixar réalisé par Lee Unkrich, situé à réminiscence De la tradition mexicaine à la mort, il a généré dans sa première une réponse du public qui a mis en lumière la manière dont, à travers un enfant, le film revisite la tradition à la recherche du destin d’une famille, du passé des ancêtres et l'évolution du personnage lui-même, tout en étant éclectique et musical, unit différentes valeurs et principes qui soutiennent la coutume.

Dans cette édition de DECÁLOGO, nous partageons 10 bandes qui reflètent différentes manières d’embrasser la mort et symbolisent le dialogue entre les vivants et les morts, et qui ont légué des images significatives de la réflexion, à travers des séquences anecdotiques qui blessent et célèbrent avoir partagé la vie avec ceux qui ne le sont plus., affronte la mort comme un chemin et découvre l’espace qui les entoure.

10. ESCALIER VERS LE CIEL (Une question de vie ou de mort)

(1946, Dir. Michael Powell / Emeric Pressburguer)

À partir du décennie des années 40 jusqu'au milieu des années 50, Powell et Pressburguer ont présenté une mosaïque cinématographique à deux voix qui a laissé deux classiques, Black Narcissus (1947) ou The Red Shoes (1948), Ils témoignent de la qualité de leurs films et de la polyvalence avec laquelle le duo devait montrer des thèmes liés à la mort dans ses films. Escalier vers le ciel offre une excellente interprétation de David Niven dans le rôle du pilote britannique Peter Carter, qui, endommagé lors des bombardements des dernières batailles de la Seconde Guerre mondiale, assume un aveu urgent avec June, Kim Hunter, qui, à la radio dans la tour de contrôle, écoute avec l'avertissement de qui suppose la mort imminente de l'interlocuteur a avoué.

Au beau milieu de l'effondrement, Carter trouve un brouillard qui, une fois clarifié, montre un scénario supposé être au-delà, pour ensuite penser qu'il est mort alors qu'il devrait l'être après l'incident. Kathleen Byron alors qu'un ange fait signe à la survivante que son destin en est une autre et que, par chance, même s'il est toujours en vie, il doit faire face à sa fin; Néanmoins, à l’intermède de la dubitation de la vie et de la mort, Carter tombe amoureux de June et de l’amour en tant que principe, s’efforce de démontrer au jugement des autres personnages et à celui du paradis lui-même qu’il mérite une seconde chance. Les prémisses d’un jugement possible, d’erreurs divines, de la mort comme commencement et fin, et de l’amour comme seule capable de le transcender, encadrent ce film dont les effets techniques sont spectaculaires, où l’escalier menant à la montée de la patibularia est remarquable. Rédemption du ciel.

9. HEAVEN CAN WAIT (Le ciel peut attendre)

(1978, Dir. Warren Beatty)

Dans la lignée narrative des archers, le binôme de Powell-Pressburguer, à propos des projets équivoques et des tâches à accomplir, de la rédemption comme possibilité de vie durable, de possibilités renouvelées de vivre réellement la vie, de possibilité de vivre deux vies en même temps, Heaven can wait est devenu un succès immédiat de la critique et du guichet à la fin des années 70. Beatty offre à la fois son travail le plus authentique et le plus simple en tant que réalisateur dans cette sitcom Julie Christie crée une impossibilité amusante et émotionnelle d’amour, de triomphe et d’exonération du blâme lui-même, d’avoir embrassé le succès sur les traces d’un autre, pour qui la vie attend toujours.

Basé sur l'original Harry Segall et sur les conseils de Robert Towne, Heaven peut attendre confirme son titre dans la mort d'un athlète de succès, Joe Pendleton, décédé dans un accident avant de jouer. le plus important de sa carrière, le Super Bowl. Son âme soustraite au hasard qui ne remarque pas la survie, Pendleton, accompagné d'un ange à la négligence, déclenche une recherche continue pour occuper un corps qui le protège, bien que peut-être, dans la tentative, il ne soit plus le même, et son âme ne le remarque même pas. . Les constantes de Powell et de Pressburguer sont présentes dans Beatty, à condition que les événements se produisent sur Terre, la guerre soit remplacée par le jeu, l'appréhension par la richesse et la confession par la complicité incarnée par un ange, qui convergent au fil commun de l'amour et de tomber amoureux.

8. PEDRO PÁRAMO

(1967, Dir. Carlos Velo)

Si un livre reflète la vision du monde mexicaine sur la mort, si un roman peut identifier son essence du mexicain, cette œuvre littéraire est Pedro Páramo, la contribution magistrale de Juan Rulfo à la littérature universelle publiée en 1955.

À partir de ce moment, les lectures, critiques et études sur Pedro Páramo et le monde des morts qui y figurent, ouvrent différentes interprétations thématiques qui traitent en particulier des voyages, de la vie, de l’espoir, de la culpabilité, des punitions et de la mort, telles que axe moteur des fantômes qui habitent Comala, un lieu plus chaud que l'enfer lui-même. Ce cimetière qui vit dans les mémoires, capturé avec brio par l’écrivain de Jalisco, a été un défi cinématographique comportant des risques énormes pour les cinéastes, et même pour de nombreux critiques: aucune adaptation des histoires ou du roman rulfien n’a été possible de se rapprocher sa profondeur

Cependant, le film monté par Carlos Velo en 1967 nous permet, sur le plan audiovisuel, de réaliser une exégèse du travail qui identifie par excellence la relation qui existe au Mexique entre la mort et son peuple, par le chemin de la guerre de son histoire. Avec John Gavin, Pilar Pellicer et Ignacio López Tarso, l'adaptation condense la série de personnages qui vont et viennent comme un brouillard; De cette manière, la relation de Pedro avec Susana San Juan est en quelque sorte la relation de vie ou de mort du protagoniste. Le film assimile le roman à un récital et rend visible les échos du silence à travers des déclarations chorales contre le destin de la mort.

7. MENACE DANS L'OMBRE (Ne regardez pas maintenant)

(1973, Dir. Nicolas Roeg)

Considéré aujourd'hui et à l'unanimité comme l'un des meilleurs films britanniques du canon cinématographique, Threat in the shadow innove dans son édition, ce qui ajoute à sa technique la symbologie de l'eau et la couleur rouge comme vestiges de l'esprit de ses protagonistes. Donald Sutherland et Julie Christie, dans des performances exceptionnelles, jouent John et Laura Baxter, un couple qui, après le décès de leur fille, décide de s'installer un moment à Venise, pendant que John effectue la restauration d'une église. Ce geste est ironique étant donné que Venise, entourée d’eau, pourrait leur rappeler la noyade de leur fille qui, vêtue de rouge, inonde le complot de rouge.

L'apparition d'un voyant qui prétend avoir vu sa fille et une série de meurtres dans la ville italienne sont le cadre où la censure s'approprie l'érotisme, la terreur de l'inconnu et la symbologie qui se confond avec l'art présenter un lien entre la vie et la mort qui, loin de rassurer, une angoisse d’attente. Le contact entre ceux qui sont décédés et ceux qui sont encore en vie est présenté comme une tentative de leur fille de les avertir du danger qui les entoure, qui les attendent ou qui accusent ce qui est déjà arrivé.

La nécessité de communiquer est le principal lien du film, la non-résolution ou la non-acceptation des faits liés à la mort, ainsi que le renforcement des liens affectifs du couple entre accepter la mort ou croire qu’ils peuvent entretenir une relation avec mort Roeg recourt à la révision des temps conjugués dans des visions, des mémoires et des essais d'optique en interaction avec le suspense du public. Basé sur l'adaptation du texte de Daphne Du Maurier, Shadow Threat a influencé divers cinéastes, Lynne Ramsay, Danny Boyle, Martin Campbell, Lars Von Trier et Christopher Nolan, entre autres, qui ont commenté la relation entre symboles, couleurs et la tension argumentative que Roeg inspire en montant la bande.

6. LONGUEUR D'ONDE

(1967, Michael Snow)

Travail définitif des propositions cinématographiques qui, alternativement, ont éclaté à la fin des années 70, le cinéma expérimental du réalisateur canadien Michael Snow a suscité Wavelength au zénith, une appréciation sonore de la vie et de la mort des silences, dont l'écho strident présente une augmentation sensorielle de sa fréquence pour récupérer émotions, douleur, joie, pleurs, joie, expériences. Il est difficile d'expliquer le sens de son intrigue, si elle en a une, de laisser tout son impact sur l'expérience de voir et de ressentir le film. Les voix lointaines qui vivent encore et sont entendues grâce à la préservation du son naturel sont dans la chambre un espace à partir duquel les vibrations et leurs fréquences d'ondes rebondissent sur les murs d'une pièce et qui habitent également ses angles.

Une caméra peut être témoin de quelque chose qui se passe et se passe pour capturer les possibilités infinies des espaces et de leurs couleurs, du bruit et de leur silence, de la vie qui a été exprimée et de la mort qui perdure dans le son. La condition humaine se déplace en deux points reliés par une ligne nuancée par des couleurs, des vibrations et des fréquences qui l’intègrent. La neige capture de la lentille les angles, les environnements et les sensations du spectateur, synergies qui font de Wavelength l' un des chefs-d'œuvre les plus importants et les plus célèbres du cinéma expérimental du canon cinématographique.

5. LE SIXIÈME SENS (Les six sens)

(1999, Dir. M. Nigth Shyamalan)

Parmi les films qui ont surpris en 1999, Magnolia de Paul Thomas Anderson se distingue par ses effets visuels Matrix of the Wachowsky, et Le sixième sens de M. Nigth Shyamalan, captivé par l'isolement d'une fiction qui protège Angoisse d'un enfant qui prétend voir des personnes décédées et conclut par l'un des résultats les plus surprenants de l'histoire du cinéma. Avec Bruce Willis, Toni Collete et Haley Joel Osment, nominé aux Oscars, le sixième sens implique la relation surnaturelle ou métaphysique du petit Cole Sear dans sa relation thérapeutique avec le Dr Malcome Crowe, qui est développée à travers Les rencontres et les désaccords de Cole avec les personnes décédées, ainsi que dans l'argument pour déchiffrer le sens de ces rencontres.

La déduction de la conception pour établir un lien avec ceux qui sont décédés afin de contribuer au soulagement de leurs peines ou au règlement des problèmes en suspens confère au film un regard rédempteur empathique à notre égard face aux signes, expériences et circonstances Nous pouvons ajouter une demande pour communiquer le monde des vivants avec celui des morts par une lettre. Il apporte également au débat la capacité extrasensorielle, d'où son titre, à être un interlocuteur de l'existence éventuelle de deux dimensions en une. Il accompagne cette présence permanente qui n’est pas disparue, une dualité de vie manifeste qui indique, du passé au présent, quelles sont les étapes à suivre pour régler les comptes avec ce qui a été vécu afin de nous laisser abasourdis par les raisons qui dans le sixième sens définit.

4. ONCLE BOONMBEE SE RAPPELANT DE SA VIE PASSÉE (Oncle Boonmbee qui se souvient de ses vies antérieures)

(2010, Dir. Apichatpong Weerasethakul)

Un élément fondamental de la tradition morte est la récupération de la mémoire et la préservation de la mémoire pour ne pas oublier. Si une raison quelconque, en plus de la célébration de la vie depuis la mort, définit la fête des morts, c'est la lutte des vivants pour empêcher la mémoire de leurs proches de mourir. Et cette action de rassembler les vestiges se joint à rendre possible la réunion avec nos morts à la table, d’où la signification des bougies qui éclairent le chemin sur les autels, d’où la nourriture fournie à la table dans les offrandes. Oncle Boonmbee, qui se souvient de sa vie passée, fait non seulement référence indirectement et sans volonté à la tradition des morts, mais aussi à une légende mexicaine par excellence, à l'existence des Nahuales, peuple capable de se transformer en animaux et de se camoufler. dissiper leur passage parmi d'autres pour rendre visite à ceux qui leur manquent.

Dans ce chef-d'œuvre du cinéma thaïlandais, Apitchanpong Weerasethakul expose, à travers la contemplation de la nature, une pléthore infinie de possibilités de revenir de l'oubli, de faire de la mémoire le lien entre la vie et la mort. Tout en discutant avec le fantôme de sa femme décédée, oncle Boonmbee est capable de se souvenir des événements qui ont marqué sa vie passée et de les valoriser à partir de sa mort, comme la vision de son fils, , après avoir été perdu, il apparaît différemment, reflétant la transformation de la vie et ses relations avec les autres êtres vivants et la nature. Un chant de murmures, d'animaux qui se dévoilent la nuit, d'espèces qui murmurent à l'aube, font partie de cet ode de la nature à la mort des vies antérieures qui les façonnent.

3. LE LABYRINTHE DE LA FAUNE (Labyrinthe de Pan)

(2006, Dir. Guillermo del Toro)

Spécialiste du cinéma des monstres, Guillermo del Toro est un maître de l'imaginaire du cinéma.

Del Toro est capable de construire son propre monde et de personnaliser son cinéma avec des éléments fondamentaux qui unissent la déformation à la beauté intérieure de l'être humain, au mal et au bien inhérents à sa condition, ainsi que l'union du récit à la superposition. des images fantastiques et l'intertext de vos messages, même sur des bandes historiques. Le labyrinthe du faune, situé dans les conséquences de la guerre civile espagnole, chef-d'œuvre du cinéma du présent millénaire, nous montre l'innocence d'une fille et sa relation avec un faune qui, à partir de la simple relation fantastique, explore la vie, la mort et la vie. l'histoire enveloppée dans le conflit espagnol gauche et fratricide de la guerre. Del Toro crée une pièce poétique à partir de son stylo et fait de la mort une constante qui ne se remarque pas et qui se déduit à la suite d’événements.

Guillermo del Toro, mettant en vedette Ivana Baquero et Sergi López, présente une petite fille qui, avec sa mère, fait face à la tyrannie du capitaine Vidal et à la persécution idéologique d'un régime, tout en dessinant dans son esprit une réalité alternative comme une fable. . Ce qui précède à Ophélie lui permet de s’isoler de la réalité sans l’éviter et implique le spectateur dans la relation entre deux mondes de la voix chantée d’une fille qui discute de sa vie dans le discernement du contexte et de la fatalité de la circonstance. Le monde des vivants à la surface et le monde des morts souterrains ou vice versa, conjuguent une sorte d'ambivalence qui nous rappelle les premiers travaux de Del Toro dans la série télévisée des années 80, Time marqué, où dans une histoire similaire la naïveté et le mal, l'enfance et le monstrueux, dans une relation qui, outre qu'elle est terrifiante, explore la vulnérabilité et la beauté intérieure de l'être humain pour le confort de l'espoir. La belle et la bête (1946) de Jean Cocteau et le récent vainqueur du Lion de Venise La forme de l'eau (2017) de Del Toro lui-même, réalise cette extraordinaire dualité que le réalisateur mexicain examine en profondeur de l'art.

2. LE SEPTIÈME SCEAU (Le septième sceau)

(1957, Ingmar Bergman)

Au cours de plus de 100 ans d'histoire du cinéma, aucune image ne représente autant d'impact sur les relations de vie et de mort que celle que Maître Ingmar Bergman a façonnée pour la postérité dans la séquence centrale du Septième Sceau .

Dans ce film, ce ne sont pas les morts qui comparaissent devant les vivants ni les vivants qui en appellent des morts pour leur retour; La relation des vivants est directement liée à la mort, et pour élucider les questions pérennes qui donnent un sens à l'existence, engagez-vous dans un duel d'échecs avec la mort. Film fondateur de la cinématographie universelle, Le septième sceau constitue, à l’époque médiévale, une arène d’espace vital dans lequel un chevalier croisé, Max von Sydow, fait un voyage où il est témoin de l’impuissance causée par la peste et voit la rencontre avec la mort qui, coincée dans un chevalier en robe sombre et cheveux chauves, va au chevalier prendre son âme.

Le silence de Dieu sur lequel le gentilhomme s'informe acquiert la réponse face à face de son bourreau et, dans la réévaluation de l'existence qui disparaît, interroge et répond dans la dialectique le sens des étapes et le sens des horizons de la vie, où le souffle se termine alors que l'art reste. Le rien, le tout, le châtiment, la condamnation, la libération et la fatalité comme destin final, ne séparent pas la relation du chevalier avec la mort mais l'étroitesse inéluctable de ses voies. Tout en faisant le tour d’autres vies qui seront des morts, le monsieur a réussi à prolonger sa vie de joueur, sachant qu’il ne pourra pas faire peur à son échec, dans le seul but de trouver un sens à une vie qui disparaît.

1. MACARIO

(1960, Dir. Roberto Gavaldón)

Macario, pièce maîtresse du film national, est la pièce indispensable pour comprendre du cinéma la relation du Mexique avec la mort, un film fondamental pour comprendre l'interculturalité de notre coutume, la valeur de la tradition, les bases préhispaniques et coloniales, le métissage ce qui donne sa force à sa propre création symbolique. Roberto Gavaldón accuse d’avoir accepté le fait que, même si le protagoniste est généreux et conçoit ce qu’il a réservé dans la cupidité, même s’il cherche la duperie, la moquerie ou l’absence, la mort apparaît à la fin de son mandat.

Macario, incarné dans la superbe performance d'Ignacio López Tarso, demande à sa femme, interprétée par la poète et actrice Pina Pellicer, le désir égoïste et déplaisant de manger une dinde seule après l'avoir partagée avec plusieurs enfants; De ce voyage sur le terrain, une série d'événements se produisent qui font du film une mosaïque mexicaine unique. Macario trouve le diable, Dieu et la mort, qui lui demandent de partager un morceau en échange de diverses récompenses. il accepte d'être d'accord avec la mort, pour la compassion de le voir impuissant. En échange de son action solidaire, il reçoit le don de savoir où la mort peut apparaître et n'apparaîtra pas à la fois chez le malade et le sain, et de cette commande, Macario recevra des avantages insoupçonnés et bienfaisants qui le mèneront à une fin douloureuse. plein de bougies qui représentent des vies, l'une des siennes, qui s'épuise comme elles s'épuisent avec le temps.

Avec un scénario basé sur l'histoire de B. Traven, Macario a été le premier film mexicain à être nommé à l'Oscar du meilleur film étranger et à la Palme d'or du Festival de Cannes, où il a remporté le prix de la meilleure photographie pour Gabriel Figueroa. Gavaldón sauve la dualité du Mexique rural et urbain, avec des croyances et des visions du monde mitigées, comme il l'a fait dans d'autres films, notamment El rebozo de Soledad (1952), pour ne citer qu'un exemple. Dans Macario, il cherche à brosser un tableau de la société de l’époque coloniale tout en soulignant la double réalité que vit le Mexique aspirant à l’urbanisme, après le congé révolutionnaire et post-révolutionnaire, avec ses problèmes en suspens et son avenir incertain de bougies allumées. les grottes et dans l'attente de leur relation avec la mort. Macario continue à être une référence sur diverses plateformes pour célébrer la journée du défunt depuis le cinéma et est devenu une référence classique de la vision du monde mexicaine.

* Iván Uriel Atanacio Medellín . Écrivain et réalisateur de documentaires. Considéré comme l'un des principaux représentants de la littérature testimoniale en langue espagnole. Ses romans El Surco et El Itamo (Universidad Veracruzana, 2015), qui traitent de la migration universelle, ont été étudiés dans diverses universités du monde entier . Il a réalisé les documentaires La journée de la voix humaine et du repos . Il est directeur de la rédaction de Filmakersmovie.com.