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DECALOGUE: 10 formes de cinéma à Guillermo del Toro

Nous célébrons la trajectoire du réalisateur mexicain 25 ans après le tournage de son premier opéra et juste à la première de son dixième film

La forme de l'eau est la nouvelle et éblouissante cassette de Guillermo del Toro, son dixième film livré en plus de deux décennies au cours desquelles il a surpris l'industrie et l'art cinématographique. Lauréat du Lion de Venise du meilleur film, cette belle image imprègne le public de la beauté macabre qui captive, invite et caractérise son réalisateur. La forme de l'eau est un chef-d'œuvre définitif dans le canon du cinéaste mexicain qui, depuis Cronos, créé en 1993, a confirmé ce que ses années précédentes dans les projets de télévision avaient annoncé: l'arrivée d'une nouvelle lumière dans le panorama du cinéma mexicain et l'arrivée d'un génie créateur de son propre monde dans le cinéma universel.

Du côté de ses prochains projets, parmi lesquels nous souhaitons toujours consolider Dans les montagnes de la folie ( At The Mountain of Madness ), le roman écrit par HP Lovercraft et qui aurait dans l'imaginaire l'union emblématique de James Cameron en tant que producteur et En tant que protagoniste de Tom Cruise, dans DECÁLOGO, nous célébrons la trajectoire du réalisateur mexicain 25 ans après le tournage de son premier opéra et lors de la première de son film TENTH.

Guillermo del Toro est devenu une bannière du cinéma d'auteur, capable de créer une atmosphère familière au spectateur en fonction de ses éléments caractéristiques et en même temps innovante en raison de la manière dont chacun d'entre eux apparaît, se dessine ou se transforme., soit du champ narratif, soit du champ visuel, dans tous ses films.

Intégrer des aspects historiques tels que l’historiographie, relier réalité et fantasme, présenter le discernement comme un moment crucial pour l’être humain, la dualité comme qualité intrinsèque de ses personnages, ainsi que capter différentes formes d’amour, le cinéma Ci-dessous, une revue chronologique des 10 formes de cinéma de Del Toro, qui, après son triomphe dans le prestigieux festival italien, précède un voyage qui, dans le flot de la forme de l’eau, prévoit de devenir une pléthore de reconnaissances et de récompenses pour l'un des réalisateurs les plus authentiques, créatifs et visionnaires du cinéma postmoderne.

10. Cronos 1993 Heure

Le premier opéra du réalisateur, également connu sous le nom de " L'invention de Cronos", est un film énigmatique et suggestif qui présente sa proposition cinématographique sur la scène du nouveau cinéma mexicain. Cronos révolutionne le récit latino-américain des images en mouvement au mécanisme à engrenages, le seul moyen par lequel l’être humain encapsule le temps continu sans l’arrêter et le mesurer, propose une conception borgienne de l’espace-temps, explore les possibilités créatrices du mythe de l'immortalité et de l'aspiration de l'être humain à suspendre le temps de la vie dans l'espace et à le prolonger dans l'éternité.

L’invention, en tant que processus d’existence créatif et manipulateur, cohabite avec la tendance vampire qui donne au sang un pouvoir énergétique qui, dans son flux, génère, se multiplie et rajeunit, qui est la jeunesse et la mort, qui est le temps et la vie. Guillermo del Toro parcourt 5 siècles accompagnés des jambes d'une araignée qui encapsule les années, l'information et la mémoire. Federico Luppi réalise l'immortalité de Cronos grâce à son interprétation ponctuelle, lente et nette, ainsi qu'à une distribution incluant, entre autres, Claudio Brook, Margarita Isabel, Mario Iván Martínez et Daniel Giménez Cacho, qui propose une performance extraordinaire. L'alchimie et l'art se fondent dans la mécanique de l'artefact qui articule à son tour la technologie avec les insectes, éléments récurrents dans le travail ultérieur du directeur de Jalisco.

9. Mimic ( Mimic ) 1997 Integument

Mimic est la première incursion de del Toro à Hollywood et son premier film depuis que Cronos a brisé la scène cinématographique mexicaine. Dans cette cassette, le réalisateur déclare par voie de ratification qu’en plus des monstres, fantômes, fantômes, fées, êtres magiques et robots, les insectes seraient un sceau particulier de sa proposition narrative et visuelle, en particulier au début de son film. trajectoire Un affichage dynamique d’effets visuels et de séquences d’action donne à l’intrigue vérité et interrogations sur ce qu’il faut faire avant une épidémie propagée par des insectes communs qui acquièrent un virus sui generis répandu dans l’une des villes les plus peuplées du monde, New York, et Il attaque principalement les enfants, générant une alerte mondiale qui se transforme en efforts de recherche pour l'arrêter.

Adapté du récit "Mimicry" de Donald A. Wollheim, Mimic propose une approche littéraire de la métaphore métaphorique de la métamorphose de Franz Kafka, selon laquelle les insectes peuvent imiter même l'homme, ou les humains deviennent des insectes face au vide, à l'incertitude ou la monotonie, ce que David Cronenberg obtiendrait grâce à une approche plus scientifique, où il reflète magistralement la manipulation de la nature pour le transport de molécules et qui aboutit accidentellement à la métamorphose des espèces dans son remake de La mosca, 1986.

Guillermo Del Toro place la maladie contagieuse et une enquête qui cherche le remède qui guérit, comme deux processus simultanés où le second culmine en premier et augmente la portée du premier. Dans leur intervention, les médecins génèrent, à partir de la manipulation génétique d'une souche, un insecte qui combat les cafards qui ont provoqué la contagion et sauve ainsi l'humanité du virus dans une combinaison de suspense, de terreur et de survie qui fait de Mimic Une expérience sensible, terrifiante.

Malgré les progrès de leurs recherches, les scientifiques interprétés par Mira Sorvino, J. Northam, F. Abraham Murray et un énergique Josh Brolin à son retour au cinéma ne pensent pas que le Mimic pourrait dépasser le cadre de la science et atteindre des dimensions gigantesques., compétences de caméléon et font de la ville leur propre en tant qu’habitant souterrain et terrestre. Les téguments des insectes, les limites et la portée de l'évolution, le budget du surhomme qui caractérise la modernité et les résolutions spécialisées et divergentes du postmodernisme sont préparés au mythe de l'autodestruction de l'humanité devant la nature qui mute et agit Homme qui manipule.

8. La colonne vertébrale du diable 2001 Le mal

La guerre civile espagnole (1936-1939) est présentée pour la première fois dans la filmographie de Del Toro comme une arène où les émotions humaines atteignent la limite de la douleur et du désespoir. De plus, à mon avis, c'est le premier film de Del Toro qui fait de son récit une poésie épique, où les éléments caractéristiques du réalisateur sont capturés avec un naturel absolu. Dans cette production de Pedro Almodóvar et de ses frères, nous trouvons deux dimensions: le contexte historique de la guerre et la situation d'innocence à laquelle elle est confrontée.

Les fantômes et les apparences, ainsi que les moments de confrontation qui définissent le début et la fin de l'intrigue, contribuent au discernement qui ouvre les chemins que les personnages doivent emprunter pour survivre non seulement à l'orphelinat, mais également à l'attaque de la milice par des idéologies Ils ne savent pas. Les créatures d'horreur représentent des symboles qui confrontent les personnages à l'altérité, au mal et au bien intrinsèques à l'univers des possibilités, au mythe sous différentes significations et à des artefacts ou des objets sous forme de symboles. Mais l'épine dorsale, plutôt qu'un os de mal ou une référence de territoire, est en réalité la recherche d'un refuge républicain face aux centaines de morts causées par Franco pendant la guerre, où les orphelins survivant parmi des enfants abandonnés et vulnérables attendre la justice et la découverte de secrets indicibles.

La douleur de la guerre se manifeste par ses conséquences, la dualité d'un conflit fratricide justifie l'absence de malentendu et de cruauté envers la violence et le pouvoir. Un casting de première ligne composé de Federico Luppi, fréquent dans les premiers films de Del Toro, Marisa Paredes, Irene Visedo et Eduardo Noriega, dans la somme ils intègrent le groupe de professeurs et travailleurs de l'orphelinat qui seront refuge et protection contre la menace de mort qui se rapproche de la dictature, et les fantômes qui les confèrent révèlent les désirs que gardent les murs.

7. Lame 2 ( Lame II ) 2002 Amitié

Sequela du film Blade de 1998, réalisé par Sthepen Norrington, Blade 2 offre, contrairement à son prédécesseur, une vision de l’auteur qui convertit une bande dessinée classique en une proposition narrative d’une profondeur philosophique plus profonde. Le sang en tant que nourriture, le besoin de le boire et le besoin de l'être humain de générer un autre discours intéressant qui soutient l'éthique du protagoniste hybride, mi-humain, mi-vampire et interprété par Wesley Snipes, dans sa vocation de se battre pour une souche de vampires qui tentent non seulement avec les deux espèces (si elles pourraient ainsi être nommées dans la différence). Guillermo del Toro soulève deux éléments clés, l'amitié dans la recherche presque apostolique de son ami Whistler, la camaraderie incarnée dans le personnage de Scud et la définition en tant qu'élément inévitable du résultat, c'est-à-dire que les personnages prennent des décisions mais destin qui les atteint en les prenant.

Le sang en tant qu'élément et l'impulsion monstrueuse pour en manger se réfèrent à l'origine du mythe des vampires, une vision qui débat du budget littéraire du XIXe siècle dans la création de la vie par l'homme que Mary Shelley et Bram Stoker encombraient La vision originale du mythe en tant qu'histoire met à jour une vision postmoderne du changement du millénaire qui fait appel à l'urgence éthique d'être.

6. Hellboy, la graine de la destruction ( Hellboy ) 2004 Dualité

Semer le mal et récolter le bien aurait pour résultat une somme de facteurs dont le résultat semble impossible ou d'origine perverse, irréversible, incompréhensible au regard de l'éthique et ayant pour objectif le bien. Hellboy raconte l’histoire d’un ensemencement maléfique dû aux circonstances, au contexte, au hasard et à une somme de situations qui aboutissent à la formation d’un véritable super-héros, identique à un adulte proche des personnes âgées. qu'un rebelle sans raison doutant entre l'adolescence et la jeunesse. Guillermo del Toro fait son travail dans Blade 2, un passage monumental de tons sombres qui, dans Hellboy, donnera une couleur cuivrée à son passage à travers les bandes dessinées. Si une bande dessinée avait été préparée pour que le réalisateur mexicain puisse offrir une vision en deux dimensions, qui habite pratiquement tout son travail, c’est Hellboy, où son protagoniste ne vieillit pas et doit s’adapter au passage de l’histoire.

Ron Perlman, acteur fétiche de Del Toro à ses débuts, rejoint les consacrés John Hurt et Selma Blair pour donner vie à la traversée de passages magiques qui séparent le temps réel et le fantastique de l'histoire et construisent des portails entre le mal et le bien comme deux mondes opposés mais inclusifs, dans lesquels cohabitent des êtres magiques et des êtres humains. Ainsi, avant la guerre et la disparition de l'humanité comme tâche dichotomique de la science alimentant la sorcellerie, Hellboy, résultat de la création de l'armée du mal au milieu de la Seconde Guerre mondiale, revient sur la confrontation de qui est destiné à destruction et aboutit à être un champion de la justice sans la vouloir au-delà de l'attachement. Une dualité clé qui ajoute à la concaténation des paréos, dévoile une confabulation qui place des doutes existentiels sur le secret de l'identité, publique et privée comme champs d'application, faisant et ne faisant pas partie de deux mondes à la fois. les abriter, ainsi que répondre à une vocation contraire de ce qui a été créé, font le mal et finissent par faire le bien.

5. Le Labyrinthe du Faune ( Labyrinthe de Pan ) 2006 Mandrakera

Chef-d'œuvre de la cinématographie de la première décennie du XXIe siècle, The Labyrinth of the Faun est devenu presque unanimement reconnu depuis son achèvement. Il a reçu le prix BAFTA du meilleur film non anglophone et a été nominé pour le meilleur film étranger représentant le Mexique aux Oscars avec plusieurs nominations, dont trois prix, dont deux prix pour des artistes mexicains tels que Eugenio Caballero en art et Guillermo Navarro dans l'image Guillermo del Toro, qui a été nominé pour le meilleur scénario original, laisse une âme, un cœur et de la poésie dans ce film magnifique, qui se déroule également dans la guerre civile espagnole. Ivana Baquero comme Ofelia, Sergi López comme El Capitan et Maribel Verdú comme Mercedes, offrent un trinôme de performances extraordinaires qui génèrent la même empathie, comme Sofia, dont la répulsion, tout comme El Capitan, s’occupe des motifs de ses motivations.

Guillermo del Toro plonge dans une structure narrative à deux niveaux qui, associée à son complot émotionnel, présente des critiques et une dénonciation de la guerre, mais dépasse également le budget historique pour trahir les abus envers les femmes, les abus envers les enfants, les ambitions et les tragédies. des luttes fratricides, des conséquences des conflits entre les camps, de la non-victoire dans la guerre et de l’imagination comme évasion de la réalité. La bande-son de Javier Navarrete est une compagnie mélancolique, chaleureuse et harmonieuse qui accompagne les recoins d'Ofelia explore à travers les confins du fantasme à travers lequel elle subit les persécutions des républicains pour le régime de Franco qui exterminent les derniers soupirs des soulèvements. sa nouvelle vie dans une ville du nord de l'Espagne. Le portail, élément indispensable de l'imagination de Del Toro, permettra à Ophelia de donner un sens aux histoires qu'elle aime et va vivre sa propre fable de princesses, d'êtres magiques et d'immortalité, qui acceptent le désir d'habiter le monde des humains, quand elle voudra peut-être habiter le monde fantastique, le même que celui que la fable du réalisateur mexicain présente avec angoisse, douleur et espoir.

Sous la grotte de la curiosité, Ophelia trouve un faune qui sera son propre pont avec le monde des fées, la magie, l'immortalité et la mort de son père, et dans l'illusion d'habiter ce lieu de rencontre, il accède au troisième des preuves demandées par le faun, joué par Doug Jones dans une performance chorégraphique symphonique de qui sera finalement l'acteur fétiche de Del Toro, comme Andy Serkis pour Peter Jackson.

Chacun des tests associe un risque à un risque couru clandestinement en armant la résistance à leurs connaissances, qui deviendront plus tard une sorte d’amis en exil de la rébellion. Et tandis que résister est un élément de résilience, la mère d’Ophelia vit son chapelet de chagrins quand elle est enceinte du capitaine et ne vaut rien plus que le ventre où niche le bébé qui est sur le chemin. C’est le mal du capitaine, élément révulsif dans la perception d’Ophélie, qui contraste avec son innocence, sa bonté et ses illusions; et c'est la tyrannie de sa cause belligérante qui contraste avec les aspirations à la liberté des républicains. Deux dimensions, deux mondes, deux issues, la vie et la mort comme seules possibilités déterminées par la guerre, composent l’environnement orné d’arbres, de plaines et de sombres nuages ​​de soleils où Ophélia cherche la vie en la cherchant sous le soin d’une racine de mandragore cela ressemble à la maladie et à sa guérison, une action qui cause de la douleur et qui génère la guérison de la plaie.

Tous les éléments qui façonnent le cinéma de Guillermo del Toro apparaissent dans Le Labyrinthe du Faune de la meilleure façon possible: l'histoire qui unit la fantaisie à la réalité, l'histoire et la légende, la grotte de Platon, les labyrinthes de Borges, leurs entrées et leurs sorties, insectes et monstres, nature et artifice, faune et gingembre, fées et portails qui séparent deux mondes et les unissent ainsi, tout comme les êtres humains et leurs idéologies, telles et comme le monde de la réalité imagine des portails qui permettent aux rêves de devenir réalité.

4. Hellboy 2 : L'armée d'or ( Hellboy 2: L'armée d'or ) Guerre 2008

Contrairement au premier opus de Hellboy, Hellboy 2 montre une approche plus intime du personnage aux mondes qu’il habite; Que ce soit surnaturel, multidimensionnel ou assumer la responsabilité d'une identité cachée ou d'un héroïsme anonyme dans un monde mais reconnu dans un autre, Hellboy se souvient et nidifie les souvenirs de Noël en compagnie de son père, le Dr Trevor Broom (John Hurt ). Parmi ces souvenirs qui chérissent le sentiment soupçonneux, rebelle, mais toujours touchant de son protagoniste, Hellboy a en tête l'histoire de l'armée dorée, une légende ou un événement réel qui a été témoin d'une guerre entre les êtres magiques et humains issus des portails, comme des ponts qui unissent et s'unissent. Ils séparent les deux dimensions en raison de l’ambition, de la cupidité et de la cupidité de l’humanité avide de conquête, de pouvoir et de domination.

Dans ce qui pourrait être considéré comme une cassette avec des colorants politiques, Del Toro explore la guerre, la trêve, les accords et les désaccords de factions, tout en prenant en compte l’amour et le sens de la vie. La profondeur de la réflexion dans Hellboy 2 concerne le personnage Abe Sapiens, que Doug Jones donne vie avec une interprétation de mouvements évoquant l’art qu’il chouchoute, et crée à partir de celui-ci une atmosphère d’introspection filiale et fraternelle qui relie l’amour à motivation que Hellboy ressentira lui-même de son désir de fonder une maison, de construire une maison et d’être l’abri de ses jumeaux. Le retrait de son travail d’agent, l’incertitude de ses activités et le désir ardent de considérer la vie comme un être commun, sinon normal, laissent la conclusion ouverte comme un fantasme irréalisable de la réalité, puisque les portails dimensionnels seront également ouverts et leur participation serait essentielle pour l'avenir de l'humanité.

3. Pacific Titans ( Pacific Rim ) 2013 Océan

Choquant, gigantesque, spectaculaire, Titanes del Pacífico est le pari le plus risqué de Guillermo del Toro, à ce jour cristallisé: un budget énorme et une panoplie d'effets spéciaux qui ont ébranlé les guichets du marché asiatique et du Pacifique. Encore une fois, un portail interdimensionnel permet à deux espèces de s'assembler en relief à l'aube de la troisième décennie du 21e siècle, et à travers ce portail, la population des plus grandes villes du Pacifique, San Francisco, Santiago, Tokyo, voit ses bâtiments s'effondrer., constructions, ponts, via les griffes de monstres colossaux (Kaijus) qui, géants, détruisent tout sur leur passage.

Pour combattre ces êtres énormes, il est nécessaire de développer des ponts qui ne réunissent pas les dimensions mais l'esprit de deux pilotes qui, sensuellement liés par leur cerveau, peuvent conduire à une similitude de mouvement avec des titans humanoïdes en acier et autres matériaux, fois de l'armée qui défendra la Terre, comme ils l'ont fait dans le passé, selon l'intrigue, des différents monstres. Ces titans qui défendront les hôtes du Pacifique s'appellent des jaegers . Pour préparer une nouvelle génération de pilotes et faire face à chaque bataille de la guerre, Idris Elba, en tant qu'officier en chef, formera différents couples qui communient avec le lien sensoriel qui renforce les potentialités. des titans.

Charlie Hunnam (Raleigh) et Rinko Kikuchi (Mako) feront face à leurs propres démons, piégés dans des souvenirs de défaites lors de batailles passées dans le premier et dans les souvenirs douloureux de l'enfance dans le second. L'héroïsme exacerbé dans la dichotomie de l'échec et du succès, de la peur et du courage, confère au texte une force descriptive co-écrite avec Travis Beacham.

Titans of the Pacific est l'un des films de science-fiction originaux les plus spectaculaires de la présente décennie. Épique, audacieux, dynamique et émotionnel, il démontre la gestion que le réalisateur peut avoir d'un budget élevé pour capter son imaginaire au cinéma et non seulement divertir mais toucher les différents publics du monde, ce qui fonde l'attente de son annonce et de la diffusion de son teasers, jusqu'à la première du film, au milieu d'un été dominé par les bandes de super-héros.

Grâce à l'impact de Titanes del Pacifico, qui marque le retour au cinéma de Del Toro après plusieurs années de lobbying pour des projets personnels tels que At The Mountain Of Madness ou l'abandon de la trilogie du Hobbit qui a fini par produire en faveur de Peter Jackson, nous espérons Les projets désirés peuvent être des réalités. Et dans ce même sens, la preuve que de nombreux autres personnages représentés par des géants de l’acier peuvent atteindre le cinéma grâce à l’expérience créatrice que représente la réalisation de ce film qui, comme le dit son abîme, a pour cadre les villes qui s’installent le plus colossal des océans, celui qui, par son ironie de tempêtes, de tremblements et de tsunamis, d’immensité, de profondeur et de solitude intimidante, a été appelé à l’attention d’un adjectif de qualité: le Pacifique.

2. Le Sommet Scarlet ( Crimson Peak ) Ambition 2015

Mia Wasikowska, Tom Hiddleston et Charlie Hunnan apparaissent dans ce triangle spectral co-écrit par Del Toro et Matthew Robbins et qui traite de la missive fantasmagorique qui, en guise d’avertissement, explique l’argile et les balles où elle est trouvée ou entrevue. Le fantôme de la mère d'Edith (Wasikowska) lui rend visite dans la sombre apparition défigurée qui veille sur l'avenir de sa fille dans un environnement d'événements qui façonnent son avenir. Le réalisateur primé du prix Ariel jette les bases de l’attente imaginable de ceux qui aspirent d’une part à devenir écrivain et qui, de l’autre, sont déçus comme prémices de l’expérience qu’ils raconteront après leur expérience paranormale de guide.

Le sommet écarlate mêle la capacité du réalisateur à gérer les séquences de tromperie et de suspense, qui collent à son influence directe sur Alfred Hithcock et François Truffaut; Avec la transformation des fantômes avant les découvertes que le protagoniste confirme peu à peu, le fantôme noir est maintenant une fraternité de fantômes écarlates comme l'écarlate est l'argile qui baigne le blanc de rouge avant la neige. Illusion, ambition, inceste, tradition, tromperie, mirages, apparitions et une étrange infusion de culpabilité en guise de condamnation constituent une série d'actions continues qui convergent dans la couleur de la douleur et de la terre. En dépit de la tragédie du complot, Del Toro présente une alternative rédemptrice du fantôme dans la liberté du personnage principal, et en même temps la délégation qui hérite d'un chagrin qui s'assied pour jouer du piano pour l'éternité ou jusqu'à ce que quelqu'un d'autre pose ses pas dans le rouge de l'argile qui baigne la neige en hiver avec du sang.

1. La forme de l'eau (2017) L' amour de l'eau

Si El laberinto del fauno et Cronos sont considérés comme des chefs-d'œuvre et des fondements de la filmographie de Guillermo del Toro, la forme de l'eau pourrait non seulement être ajoutée, mais, de l'avis du public, des critiques et, surtout, du temps, même au-delà Précédent comme un chef-d'œuvre dans la trajectoire de l'auteur de plusieurs romans et livres sur le cinéma. Et est-ce que la forme de l’eau est un film qui combine un scénario superbement dessiné dans ses séquences de Del Toro avec Vanessa Taylor et la profondeur de ses réflexions comme s’il s’agissait de soliloques en dialogue.

Film sans précédent situé dans la guerre froide et dans les avancées scientifiques et technologiques qui se sont développées après la fin de la Seconde Guerre mondiale, La forme de l'eau raconte une histoire intime qui pourrait être la simple histoire d'amour après une rencontre fortuite, et qui Cependant, c’est la manifestation complexe des sentiments du cœur qui, en ressentant autant, ne sait pas qualifier les intensités. Comme les premiers reportages télévisés du réalisateur rappellent l'innocence d'une fille qui pénètre dans les profondeurs de la surface et de ses habitants, qui cogne des monstres face à l'horreur et à l'innocence, et qui permet une relation d'amitié et de désirs qui aboutit à L'éternité présentée par Le Labyrinthe du Faune, c'est La Belle et la Bête de Jean Cocteau qui me revient à la mémoire lorsque je suis témoin de la forme de l'eau et que je ressens dans la connexion des personnages l'écoulement d'une relation multidimensionnelle entre deux êtres.

Sous la forme de l'eau coule une relation d'amour impossible dans la possibilité de l'être, une histoire d'amour entre deux êtres vulnérables qui opposent l'invisibilité à la visibilité et le cri contenu dans le mutisme des mots qui ne peuvent être exprimés mais se sentent la caresse Sally Hawkins réalise une performance extraordinaire qui sous-tend sa trajectoire aux multiples facettes et atteint des nuances oniriques, accompagnée des performances tout aussi superbes de Michael Shannon, d'Octavia Spencer, de Richard Jenkins et encore une fois de Doug Jones, qui donne vie à la créature dans cette proposition. film qui, comme nous l’avons déjà dit, revient sur le débat théorique entre romantisme, positivisme, guerre et paix, le double progrès de la science et de la technologie, la modernité et la postmodernité dans toutes ses dimensions narrative et philosophique depuis Septième art

Produit d'une expérience, la créature amphibie vit dans l'air les eaux de l'étang qui vit à l'intérieur d'un laboratoire gouvernemental. C'est Elisa (Hawkins) qui, en tant que concierge, le connaît et ose le découvrir lors d'une conversation impossible à travers voix qui manque mais oui à travers la sensibilité débordante; le reste est un complot de persécution qui révèle certains des sentiments les plus mauvais et les meilleurs et des avatars de la condition humaine, de la haine et de l'ambition, de l'amour et de la compassion, et qui ouvre une question génératrice sur les limites de l'être humain à ses actions et de l'être humain avant sa capacité à ressentir et à embrasser les sens sans préjugés. Alexandre Desplat compose la bande-son, magnifiquement photographiée par Dan Lautsen, et Guillermo del Toro affiche un arc-en-ciel climatique de clair-obscur thématique allant de la science fiction à la fantasy, du fantastique au drame, du drame au thriller en passant par le thriller suspendre, renvoyer l'intrigue à des événements historiques et à l'imagination d'un amour qui est libre parce qu'il est aimé.

* Iván Uriel Atanacio Medellín . Écrivain et réalisateur de documentaires. Considéré comme l'un des principaux représentants de la littérature testimoniale en langue espagnole. Ses romans El Surco et El Itamo (Universidad Veracruzana, 2015), qui traitent de la migration universelle, ont été étudiés dans diverses universités du monde entier . Il a réalisé les documentaires La journée de la voix humaine et du repos . Il est directeur de la rédaction de Filmakersmovie.com.