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DECALOGUE: 1999 10 films 20 ans après la fin du millénaire

Cette livraison de DECÁLOGO est dédiée à la nostalgie, et en particulier à la commémoration du 20e anniversaire de 'Matrix', 'Magnolia' et 'Eyes hermétiquement fermées'

1999 est la fin du siècle, l'avènement du nouveau millénaire, les peurs et l'angoisse dominent les réseaux sociaux naissants et les médias de masse; la réalité virtuelle des émotions confirme le changement de siècle et ses conséquences probables du chaos et de la transformation; Un avenir incertain, le futur et sa folie, prétendent déconnecter le monde en le connectant et en relançant son histoire depuis la fin. La fin de l’histoire, sa réécriture ou le fond d’un trou sans fond qualifie les derniers mois de l’année, l’espoir n’est pas une constante, craignez une possibilité, les mathématiques menacent de succomber à leurs propres règles grâce à des acronymes supposés et indéchiffrables. en vigueur pour l'an 2000 ... Rien de tout cela ne s'est produit, comme stipulé, à zéro heure le premier jour de l'an 2000.

Tout allait lentement et lentement, jusqu'à ce que tout à coup, après les événements de 2001, rien ne soit plus pareil dans le monde, même les craintes ne soient pas les mêmes, le connu soit inconnu et les précautions à prendre vis-à-vis de l'imprévu ; le cinéma vit la hâte, la confusion, le vide et l'abandon, le suicide collectif du désespoir. Différents films filmés, sortis ou réalisés en 1999 ont eu un large effet dans différents genres, Rossetta et Himalaya dans le cinéma international , Election, South Park et Office Tangles ont suscité des sourires inattendus comme on pouvait s'y attendre: les succès de Des miracles inattendus, The Boys Don't Cry, Innocence interrompu o Le talentueux M. Ripley et les règles de la vie. Des bandes de génération telles que American Pie ou Sex Games, des paris innovants comme The Blair Witch Project, ou des comédies classiques, Un lieu appelé Nothing Hill ou une action comme The Mummy ont saturé le passage définitif de cinémas tels que les théâtres aux complexes cinématographiques de d’abondants écrans de projection sans intermédiaire, les mêmes cassettes au box-office que dramatiques, juste au milieu, qui permettraient ensuite d’envoyer des cassettes indépendantes de coupes artistiques dans des salles spéciales offrant des fonctions d’horaires indisponibles ou de faible spectre.

En 1999, des films consacrés à des réalisateurs consacrés, tels que Vies à la limite de Martin Scorsese , The Informant de Michael Mann , La légende du cavalier sans tête de Tim Burton ou A Simple Story de David Lynch, abordent le genre à l'époque. film d'animation ressuscité et établi, comme Tarzan, ou le chef-d'œuvre qui verra en 2000 sa pleine reconnaissance: Beau Travail .

1999, bien qu’il s’agisse du titre d’une chanson emblématique de l’énorme Prince, c’est aussi une année riche en événements historiques et circonstanciels qui a annoncé le changement de postmodernisme dans une phase ironique ou pleine de paradoxes, où verbigracia de deux procédés, nous sommes plus proches de qui est loin, et plus loin de qui est près, où les réseaux sociaux sont une rencontre et un désaccord, d'applications, de plates-formes et de dispositifs qui seraient le nouveau lieu de divertissement personnel, où le grand écran et les cinémas commencent à être une option récréative presque exclusivement pour les grandes productions ou les sagas.

Ce serait après 1999 qu'Harry Potter, Le Seigneur des Anneaux et Spiderman, arriverait au cinéma pour céder la place à la résurrection de la 3D dans Avatar une décennie plus tard ou, après une autre décennie, pour assister au déluge presque entièrement de films d'animation ou de super-héros, laissant la porte ouverte à ces espaces pour des cassettes qui, curieusement, de l'impersonnel, sont devenues plus personnelles. Je me souviens bien de 1999, cette année-là, j'ai vécu les expériences racontées dans mon roman El Surco, et j'ai accompagné les réflexions avec les bandes présentées par DECÁLOGO, consacrées à la nostalgie et particulièrement à la commémoration du 20e anniversaire de Matrix, Magnolia and Eyes bien fermé L'ordre des bandes indique qu'il y a eu tellement de réalisations, de contenus et de fabrications remarquables en 1999, que seulement 10 forces sont réunies pour recourir à l'attachement. Anecdote: la moitié des titres sont des opéras bruts. Le DECALOGUE commence par le premier opéra d'un réalisateur et se termine par un dernier film tiré d'un autre film, qui énonce la créativité et la nouvelle verve qui, combinée au dernier À partir d'un héritage, le cinéma de cette année a contribué au canon de la cinématographie universelle.

10. AMERICAN BEAUTY (Beauté américaine) Sam Mendes, réalisateur

Gagnant de l'Oscar du meilleur film, le premier film controversé de Sam Mendes est devenu un blockbuster et critique, ce dernier au moins à ses débuts, parce que contrairement à la plupart des films dont le contenu est revu, Beauty American, d’autre part, montrait des signes de surenchère avec une grande partie de l’encre spécialisée; En outre, c’était peut-être la perspective d’une ère de cassettes complexes, complexes et déconstructives, la proposition de Mendes apparaissait même comme un clin d’œil conventionnel ou se situait dans un espace de confort moraliste, comme si elle s’en tenait au châtiment reçu. La vérité est que le film a un scénario audacieux et des performances solides, où le malheureux Kevin Spacey parvient à une interprétation subtile, et Annete Bening se démarque par le malaise manifeste de l'ennui, de la léthargie et du malheur de ce qui semble être tombé dans la monotonie idéale. Où rien n'est idéal.

Le scénario d'Alan Ball, accompagné des interprétations de Wes Bentley, Mena Suvari et de l'expérimenté Chris Cooper, décrit les vicissitudes de la famille Burham, commune mais dysfonctionnelle, explore le quartier de la banlieue comme un lieu de complicité, de désirs réprimés, d'appro l'interdit, l'autocensure de l'apparence et la simulation en tant que constante des relations humaines de la classe moyenne ambitieuse à laquelle elle se réfère. Le titre confère une recherche qui semble avoir trouvé le sens de la beauté dans ce qui est caché, où les couleurs reflètent les attitudes, les désirs et les fantasmes, tandis que la réalité est cruelle comme celle qui réprime, et qui reflète bien la musique composée par Thomas Newman. . Je me souviens du jour où je suis allée voir le film à l’aube de l’automne 1999, juste au début du semestre et avec l’adrénaline du début du siècle, qui était alors timide, la scène la plus choquante, en plus du visuel suggestif et La séquence classique de la baignoire et des pétales rouges auxquels elle est liée est celle dans laquelle Lester, vêtu d'un uniforme de travail, reçoit Carolyn à la réception du restaurant rapide, révélant le jeu en conséquence.

9. LE GÉANT DE FER (Le Géant de Fer), Brad Bird

Si l'aventure habitait toutes les dimensions de l'imagination, alors l'imagination devrait être une aventure. C’est ainsi que j’ai pu définir le film simple et complexe The Iron Giant, un opéra de premier plan du réalisateur Brad Bird, qui partageait un bureau avec des légendes de l’animation telles que Tim Burton et John Lasseter, et nuançait avec Matt Groening des dizaines de chapitres de Los Angeles. Simpson à différentes saisons. Caractérisé par le retour de l'animation sur le plateau du cinéma avec l'élégante expérience de Qui a triché Roger Rabbit (1988) et La Petite Sirène en 1989, les années 90 ont vu l'émergence de franchises, d'innovations thématiques et de la fondation de divers histoires classiques, pour s’enraciner dans les divertissements les plus profonds de tous les âges, les films d’animation comme dans les décennies des années 40 et 50 avec un succès singulier. Disney a dirigé les efforts sur la base de la tradition de sa tradition, associée à l’alliance que la société californienne allait nouer en fusionnant avec Pixar, une société qui avait fondé George Lucas dans les années 80, et qui avait catapulté John Lasseter avec Toy Story en 1995; plus tard, d'autres études ajouteraient au processus.

Bird, et son géant de fer, inspirés du livre du poète britannique Ted Hughes en 1968, font leur apparition à la fin du millénaire, où les effets visuels rivalisaient, comme aujourd'hui, pour émerveiller les salles avec des effets de plus en plus audacieux., situation qui a laissé la ligne très haute pour un animateur traditionnel.

Le géant de fer est arrivé en salles en 1999 et, à son arrivée, il a fait ses adieux aux salles, sans trop de bruit, sans trop attendre, considéré comme un fiasco financier et un pari qui pourrait difficilement récupérer son investissement; Cependant, les critiques et les cinéphiles qui se sont donné la possibilité de l'apprécier au fil du temps ont passé en revue la merveilleuse expérience que le film signifie sur le plan émotionnel et humain. Une animation mêlant technique traditionnelle et innovation, une histoire qui commence en dehors de la planète, autour de celle-ci et qui se passe dans une petite ville; une leçon de maturité et de sensibilité de Hogard, la sensibilité de l'enfance, l'envie de jouir et de s'émerveiller de l'environnement, et cela finit par être quotidien lorsque nous quittons réellement les rêves qui nous ont nourris l'esprit quand nous étions petits.

Une histoire qui se déroule dans les années 50, lorsque les films de science-fiction battaient leur plein, les invasions extraterrestres, ainsi que la tension nucléaire de la guerre froide habitaient les conversations, l'imagination et les suppositions, ce qui n'était pas si loin de 1968 quand il fut écrit, ni de 1999 lorsque la fin d’une époque a engendré la peur, l’incertitude et en même temps le regain d’espoir. Hogarth Hughes, en hommage à l'innovateur Howard Hughes, en est le protagoniste, niché dans son comportement, dans sa joie, dans son enfance solitaire et curieuse, dans les désirs et les rêves qu'un enfant garde et exprime dans les moments où l'invitation l'imagine. l'aventure, toujours prête, toujours prête à connaître, découvrir, explorer, et dans laquelle convergent les angoisses, la visite du géant de fer depuis l'espace, l'observation, la rencontre et les interactions qui en découlent font de la modernité une critique de la postmodernité, un regard sur les 50 dernières années, la nouvelle du début du nouveau millénaire et un avenir qui, comme jamais auparavant, demande des raisons et ignore les sentiments, même s’ils les ressentent.

Le géant est capable de ressentir, d’écouter, d’être conscient et tout, depuis son amitié avec un enfant, est capable d’assumer la paix en tant que message, la paix en tant que possibilité, en tant qu’occasion, et dans la recherche de ce que vous voulez être., cimenter l’amitié comme une valeur unique; les méchants ne sont ni des robots ni des êtres de l'espace, ils habitent parmi nous, l'obsession, les préjugés, la peur de ce que nous ne comprenons pas, la dichotomie de la science, la dualité des inventions; la bande indique que les héros sont ceux qui osent être ceux qu'ils veulent, loin de l'orgueil, le message englobe la recherche de rêves de la recherche du bien, et ce geste l'éloigne de soi, au «moi» du super-héros, se rencontrer dans le "nous". Brad Bird aurait des critiques monumentales et des succès au box-office, The Incredibles (2004) et Ratatouille (2007), des bandes lui attribuant deux Oscars du meilleur film d'animation, puis le film Mission Impossible: Phantom Protocol, sa première et unique date d'achèvement. non animé, pour beaucoup, le meilleur rendu de la saga. L’imagination habite l’aventure des vrais protagonistes, filles et garçons, qui nous permet de continuer à vivre dans les confins de l’émerveillement, l’aventure de devenir qui tu veux être.

8. VOULEZ-VOUS ÊTRE JOHN MALKOVICH? (Être John Malkovich) Directeur Spike Jonze

Innovant, dynamique, complexe, frais, audacieux, voulez-vous être John Malkovich? Cela a éclaté comme un rugissement en 1999, le premier opéra de Spike Jonze, a déconcerté ceux qui ne s'attendaient pas à voir un film dont le personnage central était l'esprit du protagoniste sans le vouloir, où les acteurs ont donné vie au protagoniste. Un marionnettiste, en plus d'une curiosité occasionnelle, parvient à trouver le chemin qui mène au couloir qui mène, de manière surprenante, à l'esprit de l'acteur et du personnage: John Malkovich. Si à l’heure actuelle l’acteur est reconnu comme l’un des acteurs les plus divers à Hollywood, il était déjà en 1999, et a clôturé deux décennies de films divers incluant Les champs de la mort et des relations dangereuses, Le ciel protecteur ou Dans la lignée de feu, mais faire une cassette sur la découverte, le dénouement, l'exploration de l'esprit d'un acteur, ne pouvait émaner que d'un autre grand esprit, Charlie Kaufman.

Le scénario de Kaufman a suscité un vif intérêt auprès de l'industrie. Le film a été bien accueilli par les critiques qui ont débordé en soulignant le jeu fictif consistant à pénétrer dans l'esprit d'une célébrité, une sorte de voyeurisme mental, et en le présentant à partir d'un film de John Cusack. splendide, en incarnant un homme timide qui voit dans cette circonstance refléter son contraire, de même que sa femme, dans le tourbillon d'une angoisse qui introvertit, ouvre le chemin d'une réalité alternative. Habiter l'esprit de quelqu'un d'autre, désinhiber les diverses personnalités qui sont en nous à travers l'intériorité de l'autre, un jugement d'altérité et un miroir que le réalisateur gère avec maîtrise.

Spike Jonze a immédiatement pris son envol dans les rangs des réalisateurs naissants du nouveau millénaire, ce fut une année propice à l'expérience du moins imaginable, l'esprit du spectateur de l'esprit d'un acteur à travers le regard d'autres et d'autres acteurs, une synergie Cameron Díaz et Catherine Keener, qui traversent un tunnel qui surprend de la même manière, révèlent, des espaces les plus reculés de l’esprit, que nous sommes plus semblables que nous le pensons à John Malkovich.

7. TOUT SUR MA MÈRE Dir. Pedro Almodóvar

La décennie des années 80 avait signifié à Pedro Almodóvar une étape de succès extraordinaire, notamment en raison de l’énorme succès populaire et critique qu’il avait rencontré avec Mujeres au bord de la dépression nerveuse, mais c’est à la fin des années 90 que Les critiques s'abandonneraient définitivement à leur talent, au-delà de la reconnaissance de leurs mérites narratives: tout sur ma mère remplissait fortement le cinéma latino-américain.

La complexité de son thème, les angles convexes des révélations présentées par ses dialogues et ses actions puissantes, sensibles et évocatrices, ont fait de son intrigue un moyen audacieux, ressenti et profond d'aborder la perte, la décision et la transformation de l'être avant la vie., hasard et circonstances. La perte d’un fils pour le protagoniste et la rencontre avec lui-même pour un autre personnage laissent le présent abrité, exigeant, mendiant le passé, une mère à la recherche du père d’un fils perdu, un père qui n’existe plus vivant, parce qu'il a changé en quelqu'un d'autre, il a réussi à être elle et dans cette plénitude, l'identité et la recherche d'un lieu qui lui est propre depuis la perte, donnent au ruban du directeur de Manchego un aperçu de ce qui nous reste dans les pertes, dans les greffes qui donnent la mort donnent la vie, et la maternité comme concept central de la bande.

Cecilia Roth, Marisa Paredes et Penelope Cruz offrent des performances pleines de force, d’énergie et de caractère dans un film où son réalisateur explore divers sujets tels que l’homosexualité, la transsexualité, la foi, l’existentialisme, le rôle de la femme, la concept machiste, la libération des femmes et des hommes en conséquence, la fatalité et le rachat de l'art. Le rôle en tant que tel est approché par une actrice qui souffre, fatiguée et dépassée, la même qui livre, offre et interprète les rôles qu’elle joue depuis la solitude.

6. THE SIXTH SENSE (Le Sixième Sens) Dir. M. Night Shyamalan

Les années 90 ont été caractérisées par la projection de films dont la fin surprenante transformait les changements de scénario en récit littéral qui donnaient au public des expériences hilarantes et très émotionnelles, The Seven Deadly Sins, The Fight Club, The Root of Fear. Les suspects communs, Dreams of escape, sont quelques-uns des films dont le dernier acte a été une véritable tempête d’émotions inattendues et de débats forcés. Le sixième sens rejoindrait cette liste mais le ferait par le suspense qui ne terrorisait pas; du drame, pas de tragédie; de l'attente, pas de la détermination.

Les personnages sont impliqués dans une dynamique qui explore la mort en tant que présence, le témoignage en tant que missive et la télékinésie en tant que possibilité interdimensionnelle de sa propre vie. Un enfant, Haley Joel Osment, déclare à son médecin qu’en psychologie, il sera utile de rechercher le parasycologique et le spirituel dans la même quête, en confessant qu’il est capable de voir des personnes décédées et encore plus de les contacter d’une manière ou d’une autre; Bruce Willis, le médecin au passé orageux vis-à-vis de ses patients dans la tragédie, écoute et s’occupe du prétendu patient tout en observant en silence le comportement désespéré de la mère, Toni Collette, qui cherche une explication à ce qui se passe. Une histoire de rédemption ou un manifeste envers la vie, des sens, ou de ce sixième sens qui sent au-delà de ce que les vivants peuvent ressentir, positionne l'opéra prima de M. Night Shyamalan comme l'un des meilleurs films de suspense de l'histoire, que bien qu'il soit tombé dans le cliché et le public ricané en raison de sa popularité, il reste une réalisation cinématographique de premier contact qui aspire à voir la seconde immédiatement, comment a-t-il été possible d'assembler l'intrigue de manière à le public ne remarque pas la fin tant qu'il n'est pas manifesté.

L'intégration d'un récit suggestif qui ne révèle pas, qui cache mais montre, agite les réactions du spectateur comme un axiome attendu, mais attend des explications pour une réaction défavorable, la complexité d'assembler l'intrigue en réactions sans révéler de certitude donne le sixième sens une pléthore de réponses du même mystère, une formule que son réalisateur a tenté de répéter avec un succès inégal dans différents films et qui a également été imitée dans d'autres réalisations. Le moule créatif de Shyamalan a sans aucun doute motivé la conception d'un moule de fabrication subtile, comment parvenir à la réalisation d'un film avec une fin surprenante, ce qui provoque un second regard et qui au troisième, semble perdre l'impact du premier regard dans presque la totalité, c’est-à-dire une bande surprenante qui, au premier contact, suscite, à première vue, l’exaltation préalable de tous les sens avant le sixième.

5. THE Fight Cub CLUB Directeur David Fincher

Basé sur le roman postmoderne, symbole de la génération X et écrit par Chuck Palahniuk, The Fight Club est l'un des films les plus éblouissants et les plus lucides dans sa propre confusion, à partir de la dernière année des années 90. Réchauffé par la critique et le guichet au début, il a peu à peu gagné le respect, la reconnaissance et un grand nombre de suiveurs qui le positionnent comme un film au-delà du culte, de la génération, du définitif de la fin du siècle.

Dirigé par David Fincher, le club de combat explore différents thèmes fondés sur la recherche d'un lieu propre, pour une raison existentielle et sur l'identité impliquée dans la violence, le soulagement, la schizophrénie ou le stress de la vie quotidienne. La dimension narrative développe la double personnalité ou multi-personnalité ancrée dans ce que nous sommes, ce que nous ne voulons pas être et ce que nous désirons rester au milieu, avec un narrateur qui succombe à la réalité alors qu'il s'en éloigne pour se concentrer. L'esprit qui le prononce. Le club de combat est une recherche constante, un appel désespéré, le sentiment d'appartenance manifeste n'appartenant à rien. La première règle d'un projet Mayhem est de ne pas parler du projet Mayhem, et dans cette ligne qui fait référence au secret d'un désir ardent, le script prend en charge le conflit de rejoindre quelque chose ou quelqu'un, même à nous-mêmes.

Tyler Durden est devenu une référence, un personnage emblématique qui a initialement un visage et qui, à mesure que le film avance, en révèle un autre pour se rendre compte qu'il ne s'agit ni de l'un ni de l'autre, mais de tous; De cette façon, le club est un lieu de rencontre pour les êtres perdus, malheureux ou en quête, et le combat n’est rien de plus qu’un signe de l’attitude et de la violence, la possibilité de trouver un espace où il n’ya aucune probabilité de rencontrer Edward Norton, Brad Pitt, Jared Leto et Helena Bonham Carter intègrent une distribution corollaire qui niche dans les couleurs vert et marron, noir et gris d’un bâtiment abandonné d’humidité ocre, où il conspire, avoue, définit sans plus poings, et l'énergie devant la société qui en émane.

4. PAS UN MOINS (Aucun Moins) Dir Zhang Yimou

Maître de la cinématographie universelle, Zhang Yimou présente dans Ni l'un ni l'autre un film intime, sensible et réaliste qui transcende l'art pour devenir universel de l'humanité de son histoire. Placé dans un environnement rural de marginalisation et de résilience, il n’ya pas moins une histoire qui contraste avec le développement de la Chine avant-gardiste et technologique, avec la Chine rurale pour la consommation agricole et les écoles qui subissent des activités de subsistance. Une école sans enseignant, une enseignante absente du théâtre familial, une enseignante suppléante qui n’a plus que les années d’adolescence pour assumer non seulement la responsabilité de l’enseignement, mais aussi celle de la parentalité qui doit être appliquée pour prévenir qu'aucun enfant ne quitte la salle de classe avec la prémonition qu'il ne pourrait pas percevoir son paiement s'il ne le faisait pas, mais que l'histoire transcende le salaire de l'empathie. L'aspiration de ce que signifie l'école transcende ce que l'éducation elle-même signifie; au moment où une des enfants déserte par la circonstance et le contexte, et elle se dirige vers la ville pour lui, les risques et les vicissitudes du voyage n'auront aucune importance.

C’est la responsabilité assumée, l’engagement, de la rendre, et dans cette ténacité, Yimou déploie ses ressources narratives et visuelles pour réaliser un film de néo-réalisme. En tant que documentaire mêlant fiction et réalité, le célèbre réalisateur présente des réalités alternatives, parallèles à la dualité du développement économique qu’il implique, un film par ailleurs émotionnel, incroyablement banni du Festival de Cannes, et que clairement gagner le Lion d'or de la Mostra de Venise. La dichotomie narrative de Yimou est un vestige qui catapulte la bande comme l’un des référents du nouveau réalisme du cinéma asiatique et l’un des films les plus attachants de la décennie.

3. MAGNOLIA (Magnolia) Directeur Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson condense la chute de la postmodernité et sa recherche d'identités dans un morceau de douleur, de regret, de vide et de désespoir; chacun des personnages interconnectés avec le hasard ou avec le malheur porte dans leurs lignes, et surtout dans leurs expressions, la somme de toutes les peurs et angoisses qui correspondent au manque d'amour, d'attachement et de motivations. La recherche d'un état de bonheur qui semble ne pas exister, de résignation, de rêves lucides ou de masques dissimulant des intentions secrètes caractérise les notes musicales d'une chanson partagée, d'un rire gentil, d'une requête brisée, d'une tentative infructueuse et de bonnes actions sans but ni signification . American Beauty a été désigné comme le film primé aux Oscars de Best Film, mais un film sorti en décembre 1999 restera dans les mémoires, pas dans l’histoire, comme un avertissement permanent d’une société qui continue de chercher son espace au mauvais moment: Magnolia Magnolia est une belle page de l’histoire du cinéma contemporain, belle même si elle fait mal, belle bien que très effrayante, belle bien qu’elle semble en soi déplorable ou peu attrayante.

La pléthore de grandes performances laisse sa marque comme si le papier était cette toile où les marées s’adaptent, les tremblements et l’arc-en-ciel à la fin de la tempête. Julianne Moore, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Felicity Huffman et Jason Robards - dans son dernier rôle - accompagnent, entre autres, la performance puissante, cynique, sensible et peut-être la meilleure de la carrière de Cruise Faites de Magnolia l' un des meilleurs films de la décennie, une réflexion individuelle et collective sur le paradoxe, les sentiments, les attachements, la confirmation d'un grand réalisateur et l'avènement d'une pluie imprégnée des arômes postmodernes les plus vides. Tom Cruise a remporté son troisième Golden Globe et sa troisième nomination aux Oscars du meilleur second rôle pour le rôle de Frank TJ Mackey, un personnage devenu un culte pour ceux qui analysent, étudient et reconnaissent le cinéma de Thomas Anderson

Magnolia gravite dans des moments réalistes, bruts et déconcertants, tout comme il est suspendu à des intervalles surréalistes habillés d'existentialisme, de malaise et d'incertitude; La causalité et le hasard submergent et libèrent, punissent et rachètent les petites choses de la vie comme un douloureux kaléidoscope de souffle et de souffle. La chanson officielle du film "Salvame" décrit dans ses paroles avec une grande précision, cette fraternité nébuleuse de hasard et de contexte, l'appel urgent des personnages à se sauver et dans l'angoisse de ne pas trouver le salut en eux-mêmes, de là, la concaténation d'histoires soulève un cercle d'unions transversales qui trouvent des points concentriques pour la douleur et des points dispersés pour l'abandon. Le film est un exemple narratif de la postmodernité dans laquelle il se trouve et du nouveau millénaire qui défiera les liens émotionnels par des liens virtuels.

2. MATRIX (Matrix) Dir. Frères Wachowski

Habiter une réalité qui nous est donnée et la prendre pour acquise fait partie de la survie de la vie, mais un dogme défiant, le doutant, recherchant son origine et découvrant la possibilité d’une autre réalité qui nous entoure, invite le spectateur à insérer dans cet espace-temps capable de manipuler de l'énergie, des mouvements statiques et dynamiques. L'été 1999 attendait avec impatience le retour de Star Wars dans l' épisode I, dévoilant le début de Dark Vador via Anakin Skywalker, méchant et héros par excellence des superproductions, personnage vedette du cinéma contemporain et qui cette année célèbre quatre décennies de définition de la manière de présenter la mythologie et ses mythes classiques au cinéma, processus vital qui donne un sens à sa narration. Cependant, l'été de cette année a également vu, entre autres films, le terrible échec de Wild, Wild West avec Will Smith, et la controversée première, le dernier film controversé de Stanley Kubrick, Eyes étroitement fermé, avec Nicole Kidman et Tom Cruise. .

Alors que Episode I saturait le box-office imprégné d’avidité et de nostalgie, Eyes bien fermé provoquait chez le spectateur un thriller psychologique, Matrix, des frères Wachowski, donnait à l’été l’étonnement des effets visuels et du divertissement de l’été, léguant Été permanent qui est devenu une icône visuelle de la fin du siècle. Neo, interprété par Keanu Reeves, est le reflet de la postmodernité, où les possibilités de la structure et de la fonctionnalité des systèmes succombent à de nouvelles croyances. Matrix poursuit et révèle les religions, les systèmes politiques et les affections données par la démission ou par la coutume, pour faire de "l'élu" une alternative émancipatrice de la réalité. Neo cherche à libérer et à transformer sa propre vie quotidienne en une habileté qui contrôle son environnement et se redimensionne. Pour les frères Wachowski, le message lui-même est un défi.

Les effets utilisés dans Matrix, bien qu’ils aient inspiré des chorégraphies ultérieures et laissé une marque indélébile sur la technologie au service du cinéma, ont eu un impact aussi fort que ses protagonistes; Ce n'est pas un hasard si, pour la saga John Wick, Fishburne, il accompagnait Reeves sur scène et que les chorégraphies défient à nouveau le vent. C'est marrant, Wick est un relégué de la réalité, et semble être choisi, Neo est un élu qui défie la réalité. L’avenir montrerait que les réalisateurs, de par leur propre expérience, feraient de la vie un défi à ce qui était donné en allant vers le désir, dans un message clair d’émancipation existentialiste. Vers la fin de cette année et à la fin du siècle pour marquer le début du nouveau millénaire, plusieurs films ont fait une brèche dans l '" établissement " familial, religieux et spirituel . La beauté américaine, le sixième sens de M. Shyamalan ou Magnolia de Paul Thomas Anderson, provoquera des perturbations révélatrices des coraux clinquants, les mêmes sensations captives qui ont convergé dans Matrix cet été 1999.

1. LES YEUX BIEN FERMÉS (Les yeux grands fermés) Directeur Stanley Kubrick

Épitaphe artistique dans l'oeuvre d'un provocateur de désirs, exploration troublante de la libido réveillée, que le réalisateur n'avait pas explorée depuis la splendide Lolita (1962), superbe adaptation littéraire de Nabokov. La relation conjugale qui transforme l’amour en coutume, le goût du désir délégué, la volonté de la monogamie dans un fantasme refoulé puis exprimé dans les jeux de l’esprit, cèdent la place à un film qui a marqué le plus Les critiques acharnés de Kubrick ouvrent à leur tour un débat artistique à ses partisans. À la fin du siècle et à la veille du nouveau millénaire, Eyes well closed est présenté comme une vision à la double moralité de l'aristocratie face à l'infidélité, à l'éthique et avec plus d'audace, à la lumière des enjeux tabous de la société postmoderne, le trafic et la prostitution en tant que problème de la ville, de la dissimulation d'abus par la police, et de ce questionnement social, il entre dans les cauchemars bleutés d'un mariage qui traverse une crise de tentation et de confiance qui s'apparente à un besoin de confession .

Tom Cruise et Nicole Kidman prennent leur relation réelle à la fiction adaptée du roman Traumnovelle, écrit en 1926 par Arthur Schnitzler à travers les personnages William et Alice Harford. Et comme corollaire d’une réalité qui est confondue avec la fantaisie, plus de deux années de tournage et d’autres circonstances, ont amené le couple à divorcer, et Kubrick a livré son dernier film, ainsi que les réalisateurs Todd Field et Sidney Pollack., à titre posthume. Une nuit dans la ville et ses banlieues, un voyage dans les rues et ses ombres, à travers la ville et ses costumes, fait face à la dualité douteuse d’une révélation malicieuse que Alice fait à William et qui génère les passages d’une orgie visuelle motivée par l'identité derrière le masque et la sexualité concupiscente du désir quand il est exprimé. Le titre semble mettre en garde le spectateur de l'ironie, les yeux seront plus ouverts à l'hypothèse du "aurait" qui procède de l'interdit. Ruban de Noël satirique publié à l'été 1999, qui a été revalorisé au fil des ans et considéré comme un culte. Kubrick est décédé avant la première. Peut-être le soulagement du scandale lui aurait-il pris plusieurs années avant que les critiques partagent le frisson de Cruise comme le Dr Harford devant les mots de passe mystérieux de la nuit et leurs rituels.

20 ans plus tard, l'exploration de l'intériorité du Dr Hardford, le calme désespéré d'Alice pour la renaissance du désir à partir du désir versé dans le cauchemar du sommeil, ou la fraternité de masques qui cachent des identités pour en acquérir d'autres dans la danse de ce Interdits et à la lumière de l'occultisme, ils continuent de démêler toutes sortes d'interprétations et de jugements d'opinion, qui ont revisité la cassette pour la placer comme l'une des plus complexes, sur le plan psychologique, du célèbre réalisateur. Le postmodernisme s'éloignera pour s'adapter à une phase d'événements urgents sur le plan personnel et social, dans l'interconnexion des acteurs médiatisés, des fugaces des urgences.

La vérité est que le dernier film de Kubrick a résisté au temps et gagné plus de force que dans la controverse il y a deux décennies, laissant non seulement le dernier vestige ou testament cinématographique de son réalisateur, mais également un film qui a osé enquêter. les tourments de l'autocensure, des désirs refoulés ou l'ennui de l'amour qui cherche d'autres facettes à se renouveler, des replis de l'esprit et de ses tourments, se sont déversés dans le double standard des intentions secrètes de la fin du millénaire que l'on entrevoyait autre. 1999, deux décennies après le début et la fin d’un siècle et, pour nous aujourd’hui, à l’aube d’une nouvelle décennie.

Image de couverture: Eyes Wide Shut, Stanley Kubrick (1999)

* Ecrivain et réalisateur de documentaires. Considéré comme l'un des principaux représentants de la littérature de témoignage hispano-américain. Il est l'auteur des romans El Surco, El Itamo et des poèmes Navigate Without Rars and Cardinal Points, qui traitent de la migration universelle et ont été étudiés dans diverses universités du monde entier . Il a réalisé les documentaires La journée de la voix humaine et du repos . Il est directeur de la rédaction de Filmakersmovie.com.