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DECALOGUE: JOAQUIN PHOENIX - 10 étaux d'un joker épique

Dans cette édition de DECÁLOGO, nous faisons une brève visite de certaines des cassettes qui composent le canon du film Joaquin Phoenix.

Membre d'une dynastie d'acteurs fraternels, Joaquin Phoenix a émergé dans le firmament de la cinématographie universelle à la suite de l'extraordinaire polyvalence que son frère River avait laissée comme héritage de sa courte mais notoire carrière dans des films tels que Count on me avec Rob reiner, My Idaho privé de Gus Van Sant, ou Un endroit nulle part, de l'immense Sidney Lumet et pour lequel le jeune acteur a été nominé pour le Academy Award du meilleur second rôle. Phoenix avait des apparitions sur des blockbusters, tels que le jeune Harrison Ford dans Indiana Jones et la dernière croisade de Steven Spielberg, et était sur le point de faire partie de la distribution du film de la classique Interview avec le vampire de Neil Jordan, dirigé par Tom Cruise, aux côtés de Brad Pitt, Stephen Rea, Antonio Banderas, Kirsten Dunst et Thandie Newton, lorsqu'il est décédé au Viper Room Club (Joaquin a lui-même averti le 911 à propos de l'overdose de son frère aîné), un point de rendez-vous régulier à Los Angeles. acteurs comme Keanu Reeves ou Johnny Depp, il a donc été remplacé par Christian Slater dans le film dirigé par le déjà consacré.

L’impact de sa mort a secoué Hollywood au début des années 90 et l’attention portée aux valeurs de jeunesse de sa génération s’est tournée vers d’autres promesses telles que Christian Bale, Leonardo Di Caprio, Edward Norton, et plus tard Matt Damon ou Ben Affleck., qui a également intégré les rôles dirigés par Gus Van Sant. Cependant, un acteur peu connu à ce moment-là résulterait précisément des mains du célèbre réalisateur retranché à Seattle, avec la bande All for a dream ; à partir de là, son visage, caractérisé par son regard intense et la cicatrice de naissance qu’il a sur la lèvre supérieure, donnerait l’élan et l’énergie de ses interprétations, renversé dans le déploiement physique de son talent, une référence des années à venir : Joaquin Phoenix. À la différence de son frère, né dans le mythique Oregon, État emblématique de son époque, Joaquin est né à Porto Rico. Bien que l'impact de la mort de River ait influencé son absence et presque renoncé au monde du divertissement, c'est grâce à l'impulsion du Van Sant lui-même a dit que Leaf, comme on l'appelle à l'origine, a décidé de suivre la voie du jeu d'acteur qui, après plus de deux décennies, mérite deux nominations aux Oscars, tout en devenant le prix du meilleur acteur dans les prestigieux festivals. Cannes, le Golden Globe et même le Grammy Award, et dans son sillage, dirigés par des réalisateurs établis tels que Ridley Scott, Woody Allen, M. Night Shyamalan, Philip Kaufman, Oliver Stone, Ron Howard, Thomas Vinterberg, James Mangold, James Gray, Paul Thomas Anderson ou Todd Phillips.

Chameleonic, polyvalent et immergé dans chaque personnage, Phoenix décida de changer de nom et de se tourner vers un espace artistique bien à lui qui se détournait et abordait sa vie comme un appel interne qui embrassait sans aucun doute avec la même intensité bandes, rendant leurs personnages complexes visions postmodernes, réflexions de l'intériorité, et des images d'êtres humains qui gravitent le vide, le débat existentiel et la léthargie en tant qu'état conscient d'une recherche continue, comme son joker, Phoenix capture le cri, le sauve et expose, soit avec un geste, une expression ou avec le regard qui rit et pleure avec ou sans le maquillage de la personne qui agit et entre son rôle comme une sorte de voyage sans retour.

Dans cette édition de DECÁLOGO, et à l’occasion de la première de Joker, un film qui a reçu de très bonnes critiques lors de sa première et son triomphe à la Mostra de Venise, remportant le Lion d'or, et que nous pourrions garantir, suscitera une attention soutenue Au cours de la prochaine saison de récompenses qui, ironiquement, il aura le Joker comme personnage qui pourrait attribuer, comme aucun super-héros ou méchant, des nominations aux Oscars pour son interprète, tout comme Heath Ledger, qui est posthume, remportera le prix. Oscar avec Dark Knight de Christopher Nolan dans la catégorie du meilleur second rôle. Phoenix pointe comme un candidat solide pour le prix du meilleur acteur dans les divers épisodes à venir et, tandis que le film est distribué dans les salles de cinéma du monde et reçoit les applaudissements de son protagoniste, nous faisons une brève tournée de certains des films qui composent le cinéaste de l'acteur qui, en plus de vaincre sa dépendance à l'alcool et d'être un amoureux de la nature, est un réalisateur de vidéoclips, un militant pour les animaux, un producteur et un scénariste.

10. TOUT POUR UN RÊVE (To Die For) 1995

Dir. Gus Van Sant

Avec pour vedettes Nicole Kidman, Matt Dillon et Phoenix lui-même, All for a Dream est un film qui traite de l'ambition en tant qu'équipement du concept ambitieux du succès, ou du talent incalculable d'ambition qu'un animateur de télévision doit atteindre au plus haut niveau. En haut d'une série de situations qui, en tant que comédie noire, placent la manipulation au centre de son ascension et l'assassinat de son mari, un obstacle entre penser à son rêve et l'atteindre, comme un pas de plus. Phoenix apparaît en tant qu'étudiant, apprenti ou complice de ce processus, séduit par le conducteur qui souhaite passer de la météo à la conduite en prime-time; cependant, les rebondissements de l'intrigue, filmés dans une combinaison entre fiction et documentaire (les protagonistes filment quelques séquences capturées par le spectateur), font de leurs monologues à l'écran une grande analogie entre l'image qui présente le même la fantaisie, celle qui habite l’esprit du rêveur et qui suit son rêve.

Jimmy, personnage de Joaquin, non seulement suit le rêve, mais devient complice et finit par consommer l’un des points pour abattre la ligne d’ascension de son protagoniste, guidé par le plaisir et la séduction, Jimmy est un architecte du rêve quelqu'un d'autre, et un coupable attaché aux circonstances de leurs propres instincts. Le film a été très bien accueilli par la critique et nous avons pu le considérer comme le premier film de la nouvelle étape du jeune acteur, à revenir à la caméra d’une manière remarquable; En plus de décrire quelques budgets de la jeunesse des années 90 et d’accompagner une bande son en fonction de leur environnement, le film propose, à partir de son motif amoral et antisocial incarné dans ses personnages, une dynamique visuelle suggestive et une ligne narrative qui excelle dans large film offre à son réalisateur.

9. HÔTEL RUANDA (Hôtel Rwanda) 2004

Directeur Terry George

Don Cheadle, Sophie Okonedo, Nick Nolte et Joaquin Phoenix, dirigent le casting de ce film qui traite de la tragédie humanitaire et du massacre civil survenus au Rwanda en 1994, et ce, dans la perspective d'un refuge involontaire et intempestif qui se termine comme une arène entre les différentes significations et conditions d'asile qu'un étranger et un habitant peuvent avoir au même endroit. Assassinats à Mansalva, meurtres sans pitié, extermination douloureuse, morts et pleurs, secouez l’environnement de cet hôtel qui est à la fois une oasis et une tranchée entre le chaos, l’héroïsme et la survie, ce qui exige plus que L’humanisme fera plus que désirer la compassion et plus que les plans de l’instinct.

Phoenix capture en tant que journaliste les images de désolation et d’espoir. Son rôle, en plus d’assimiler les témoignages, offre une série de réflexions sur ce que ceux qui verront leurs reportages pourront penser ou ne pas penser, s’ils ressentiront de l’empathie, ils seront blessés, ou si, en reconnaissant la tragédie à la télévision, ils continueront leur vie, secouant la tête, changeant de chaîne, peu importe ce qui se passe de l'autre côté du monde, sur un continent qui n'est pas le leur, avec des gens qui ne se font pas concurrence nouvelles Plus de 1200 réfugiés dans les actions humanitaires qui se sont déroulées à l'hôtel, volonté libre, solidarité et aide sans mesure et sans sacrifice de sa vie, sont les valeurs sauvées par le réalisateur Terry George, qui a également écrit le scénario, pour présenter l'un des films les plus émotionnels et les plus ressentis de la première décennie du vingtième siècle.

Une des réalisations remarquables du film, en plus de ses nominations aux Oscars, a été la création d'un fonds des Nations Unies pour traiter avec précision de certaines actions en faveur de la protection des droits de l'homme au Rwanda, réduisant ainsi le nombre de questions en suspens. concernant la mobilisation humaine et le déplacement forcé, ainsi que des milliers et des milliers de réfugiés dans différents pays d'Afrique.

8. VOUS NE SEREZ JAMAIS SAUVÉ (vous n'étiez jamais vraiment ici) 2017

Dir Lynne Ramsay

Joaquin Phoenix offre dans Never be safe l' un des meilleurs spectacles, si ce n'est le meilleur de sa carrière jusqu'à présent, un étalage impressionnant de son talent, protégé par un personnage complexe, qui lui a valu le prix du meilleur acteur du Festival international de Cinéma de Cannes. Adaptation du roman Tu n'étais jamais vraiment ici de Jonathan Ames, tu ne seras jamais en sécurité c'est avant tout une cassette de rédemption, dans laquelle, son protagoniste, Joe, tente de réconcilier sans essayer les traumas, souvenirs et tourments de son passé en tant qu'agent du FBI et en tant que fils d’une mère solitaire, en plus de ses efforts de sous-traitance privés pour sauver les femmes recrutées pour la traite des êtres humains, où les mondes faible et élevé du pouvoir politique et financier sont impliqués. Cependant, le film ne concentre pas son noeud principal sur les relations de pouvoir ou le réseau de police de sa lettre, mais sur la relation intime qui, par l'altérité et sans être vue, établit par destin ou destin Joe avec Nina, Ekaterina Samsonov, qui a apparemment été kidnappé et pour lequel un sénateur offre des récompenses, soudain, Joe est plongé dans un enchevêtrement de confusion, de persécution, de pièges et d'embuscades, qui incluent la mort du sénateur et de sa mère, ainsi que l'implication révélatrice du gouverneur, laissant sa propre introspection sous le couvert de son passé.

Phoenix incarne les traits d’angoisse et de pessimisme qui plongent copieusement le personnage aux motivations suicidaires, qui décourage et cherche à éviter la douleur ou la léthargie, et qui, compte tenu des révélations survenues à la suite du cas, perd les raisons de sa que la vie se montre devant l’horizon partagé de ceux qui ont essayé de sauver depuis le début; pour Ramsay, la rédemption ne se tourne pas vers les personnages pour les raisons suivantes, elle n’a pas non plus recours à l’héroïsme pour démêler le crime, elle a plutôt recours à la perception individuelle qui se manifeste comme une possibilité mutuelle; Phoenix ouvre les budgets d’interprétation avec expertise, réalisant dans son processus une des performances les plus profondes de sa carrière.

7. JOHNNY ET JUIN: PASSION ET CRAZY (Walk The Line) 2005

Dir. James Mangold

Joaquin Phoenix, nominé aux Oscars dans la catégorie Meilleur acteur, incarne la légende musicale Johnny Cash dans ce film biographique de grande qualité, au même titre que la comédie musicale, réalisé par James Mangold. Une histoire d'amour qui traverse différentes périodes biographiques et musicales, transforme la passion et la folie en film conventionnel dans le cadre de sa filmographie, mais lui fait assumer la personnalité et interprète une légende de la musique américaine et met sa voix au premier plan. service de la cause.

Le résultat: une nomination au prix du meilleur acteur pour le Oscar, et un Grammy pour la somme de prix qui lui valut sa fidèle interprétation biographique. Reese Whiterspoon en tant que June Carter a reçu le prix de la meilleure actrice de l’Académie et a réalisé à l'écran un haltère de grande énergie et de chimie reflétant l'intense relation d'amour, de profession, de passion, de folie et de déchaînement qui a caractérisé le couple et par l'histoire musicale elle-même, comme corollaire de son histoire personnelle de changements et de motivations constants. Phoenix présente une performance modulée et segmentée entre le talentueux musicien, son chemin sinueux en matière de drogue et de toxicomanie, ses défauts internes et son pardon non reçu ni offert et ses causes manifestes comme moteur de sa musique; en même temps, il révèle le profond amour d'un couple non conventionnel et la résolution atypique de leurs amours. La passion et la folie sont l’un des films les plus conventionnels de Phoenix. Si nous prêtons attention à sa résolution ou à son approche optimiste, son défi interprétatif est louable et son acteur incarne avec fidélité des mouvements, des traits de caractère et des sonorités vocales. de sa performance, un leurre pour le public qui, avec le catalogue musical de la légende, lui a réservé un accueil chaleureux au box-office.

6. LES FRÈRES SOEURS (Les Soeurs Frères) 2018

Jacques Audard

Grand groupe occidental, The Sisters brothers présente un duo interprétatif imprévisible et empathique, John C. Reilly et Joaquin Phoenix, dans les rôles principaux de cette adaptation du roman écrit par Patrick deWitt, réalisé par Jacques Audiard. La proposition a en principe débouché sur une comédie noire, située dans le Midwest et articulée autour de la ruée vers l'or et des vicissitudes de l'ambition et de la vengeance caractéristiques du genre, The Sisters brothers se révèle être un film non conventionnel et extrêmement attrayant., ce qui a sans doute surpris les critiques qui, après l’avancée du film, ne s’attendaient plus à un complot bien orchestré, à l’incroyable chimie de ses protagonistes et à la structure sentimentale complexe de leurs émotions.

Avec un complot allant jusqu'au bout, deux frères se rendent au bord du vieil ouest pour chercher leur or et leurs richesses dans le hors-la-loi de Commodore, interprété par le défunt défunt Rutger Hauer, légende du cinéma international, qui assiste à la L'idée de trouver une curieuse prébende, un chimiste qui résout la théorie qu'il n'est pas nécessaire de gaspiller de l'énergie, des ressources ou la vie elle-même pour obtenir des richesses, libérant ainsi l'ironie de son propre mandat. Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed et Carol Kane complètent la distribution d'un film qui présente une perspective nouvelle, amusante et différente sur les films de leur genre. La recherche ultime d'or, de richesse et de pouvoir parmi les personnes impliquées laisse dans l'encre la relation étroite qui forge sa vie errante, faisant de la bande une exploration de l'attachement.

Audiard dirige ce grand film qui se concentre sur les voyages, les alliances, les trahisons, les complicités et les explorations, pourrait être analysé à la lumière de la recherche, Reilly comme Eli Sisters, à la recherche d’une retraite pour devenir une entreprise qui change le tournant, Phoenix comme Charlie Sisters, immergé dans l'alcool et autres attentions, refuse de localiser un point fixe sur son chemin, faisant de sa relation le noeud qui unit les innombrables aventures qui ajoutent à un voyage qui semble ne pas avoir de retour et qui les attend néanmoins. à la veille de l'attachement.

5. GLADIATEUR (gladiateur) 2000

Dir Ridley Scott

Gagnant de l'Oscar du meilleur film, Gladiator est un film qui a connu un succès critique au box-office à l'aube du nouveau millénaire. Il a également ramené les bandes classiques sur le thème de la religion romaine qui ont inondé les cinémas des années 50, controversé quant aux différentes reconnaissances qu'il a obtenues, mais appréciées pour ses performances, ses effets et sa bande-son, composées par l'immense Hans Zimmer, Gladiator a couronné la carrière de Russell Crowe, qui incarne Máximo, héros militaire hispano-romain et gladiateur de talent à son exil en tant que meilleur acteur aux Oscars, écarter une légende comme Oliver Reed et souligner le panorama époustouflant de Joaquin Phoenix sur l’industrie, en lui décernant une nomination pour le meilleur acteur dans un second rôle et pour beaucoup dévorant Phoenix incarne Commodore, le fils impitoyable de l'empereur Marco Aurelio, qui a assassiné son père et banni les alliés. Le même, devient un méchant irascible, tyran et impitoyable dans qui l'indolence, tourne l'intrigue et le sens de la bande.

Le film a différents rebondissements dramatiques, la mort de l'empereur et la mort de la famille du gladiateur, comme une synergie d'obstacles et de justifications dans Confortable pour lever les obstacles et s'emparer du trône, œuvrant dans Maximum sa cause, la vengeance comme seule motivation de Votre échafaud Bien que Crowe exécute une magnifique performance, en fonction de son caractère tempéré, héroïque et vertueux, c'est Phoenix qui parvient à converger dans son interprétation, les motivations du film.

Dans Comfortable, la réflexion de Máximo est présentée comme une antithèse de valeurs et une antireflet de pouvoir, d’ambition, de déshumanisation de la guerre et de la perte de sens et d’amour, cette formule à la fois maniable et efficace s’habille de la bande sonore extraordinaire de Hans Zimmer et Lisa Gerrard, ainsi que des effets spéciaux essentiels à leur époque, faisant du public dans l’arène une foule immense qui ne nécessitait pas la projection de centaines ou de milliers de figurants pour rendre les enregistrements des années 50 inattendus, et que pour beaucoup, malgré les succès remportés dans ce combat, cela a réduit la crédibilité ou l’appréciation du film gagnant du meilleur film en 2000.

Les séquences d'action brillent dans les batailles, car les duels chorégraphiques sur le sable se démarquent, ce qui est par ailleurs passionnant. C'est Phoenix qui délègue les actions et prend de l'importance à mesure que l'intrigue avance vers la scène, l'ambition est personnalisée dans le même caractère qui suppose vengeance et justice.

4. PURE VICIO (Vice Inhérent) 2012

Dir Paul Thomas Anderson

Adaptation du roman homonyme de Thomas Pynchon, Pure Vice est un film se déroulant dans les années 70, une période qui semble correspondre aux préceptes d'Anderson pour développer ses réalisations. Joaquin Phoenix dirige entre autres Owen Wilson, Eric Roberts, Katherine Waterston, Benicio del Toro et Josh Brolin, qui sont liés par la disparition de Mickey (Roberts), riche petit-ami de Shasta (Waterston), ex-partenaire de Larry ( Phoenix). Anderson a reçu une nouvelle nomination aux Oscars pour son scénario adapté, qui, même s’il peut être complexe à comprendre des approches, des liens et des nœuds dans lesquels il présente un argument de film noir postmoderne, offre une tension intéressante de suspense, de crime, évasion, dépression, collusion et anxiété à propos des attachements perdus par la démarche de la vie.

La résolution d'une affaire est la raison pour laquelle la bande à l'avant-plan, vice, cigare, marijuana et désir, le complément; Cependant, la suite de doutes qui s’ouvrent sans se refermer semble suggérer au spectateur un sentiment de déclin ressenti lors de l’interprétation de Phoenix, dans la mesure où le vice inhérent est aussi une incapacité du personnage à détachez-vous du passé et bloquez également un cadeau qui n'offre pas au détective Larry, la sortie du labyrinthe d'une affaire qui a pris plus de fierté que d'intérêt. La photographie est vraiment évocatrice et communique avec la sagacité du réalisateur d'entrer dans le roman noir avec le même sens de curiosité, de morbidité et d'angoisse que les interprétations offrent, mélancolie, vide, solitude, enveloppés dans le rire avec des cris d'humour silencieux noir qui projette le roman et le film de manière parallèle. La bande-son du film, fait de la photographie, du lexique et du récit, l’acquisition de colorants d’hypocondries collectives, où l’angoisse, la philie et les phobies dépassent tout positionnement manichéen et fournissent, une fois encore, la vision de l’effet dérivé de la circonstance, l’albur ou la détermination de la vie chez ceux à qui son vice pour calmer l’élan, est le placebo des autres pour avoir révélé ce qui s’est passé. Le climat social, la corruption, la décomposition sociale, l'argent, la gourmandise, l'avidité et le malaise semblent attribuer à une sorte de vitrail une décennie et les conséquences de leurs actes, avec ce regard en creux qui permet de l'observer sous deux angles.

D'une part, le roman original et, d'autre part, la formidable adaptation du réalisateur, qui bien que cela ne rende pas la cassette agréable à en profiter de manière linéaire et sans chocs narratifs, fait appel à l'intention nulle d'Anderson d'expliquer et même de compatir avec ceux qui vivent, souffre et histoire addict.

3. ELLE (elle) 2013

Dir Spike Jonze

Immergé dans le vertige de la société postmoderne qui spécialise les sentiments et les dévore en les envoyant dans une réalité virtuelle, insérée dans un monde où il est plus facile de communiquer avec ceux qui sont loin et de s’éloigner de ceux qui sont proches, à une époque où l'attention est organisée dans la fascination d'un appareil et dans l'application de la sensation. En ce moment et dans sa vision future, elle est présentée comme un pari cinématographique aussi simple que complexe, aussi réel que fictif, aussi proche que lointain, aussi cinématographique que la vie lorsque nous l'éloignons de notre environnement, lorsque nous vivons le monde. imaginaire ou celui qui existe à l'intérieur de nos ordinateurs, téléphones ou tablettes. Elle et sa pause, elle et la séduction de l'être, elle et son désespoir de se rencontrer, elle et son désespoir de ressentir, ressentez juste ce qui lui appartient déjà dans la voix, dans le mot, dans l'autre.

Lui et sa solitude, lui et sa nostalgie, lui et son cœur brisé, lui et les souvenirs de l'amour qui était et qui serait; lui et l'amour qui l'entoure mais ne le perçoit pas, lui et l'amour qui l'idéalise, lui et un monde sur ses épaules, le monde de l'ennui, de la résignation et des espoirs pleins d'espoir. Théodore ne tombe pas amoureux de son ordinateur ni de la voix qui émane du programme, il tombe amoureux de la voix parce qu'elle est humaine sans être, tombe amoureux de l'amour et tombe amoureux de la cadence, du naturel, du mot qui s'ouvre entendu, et leur propre capacité à écouter. Combien ça nous coûte d'écouter? Samantha est capable d'accompagner la solitude et de disparaître, est capable d'exister, d'être une présence. Il tombe amoureux de celui qui assiste à sa voix comme une promesse, comme un événement, comme une réalité, avec sa voix comme vérité et sentiment, il tombe amoureux du passé et du présent, il tombe amoureux de qui, comme elle, vit la séparation et Je le trouve comme un horizon partagé. J'ai eu l'occasion de réaliser le documentaire La voix humaine de Jean Cocteau, une femme au téléphone dans un monologue amoureux douloureux, et le reflet de la voix humaine m'est venu avec force quand elle l'a apprécié avec près de 8 décennies de différence, Cocteau en quelque sorte différent, il représentait le même acte de virtualité d’une voix qui n’est pas présente mais est entendue. La différence entre le pari moderne de Cocteau et le postmoderne de Jonze, réside dans l'existence ou non de l'interlocuteur, dans l'un c'est, dans l'autre c'est, dans la voix humaine, dans l'existence.

Joaquín Phoenix offre une performance pleine de mélancolie, de chagrin et d’espoir; Scarlett Johansson est capable de donner sa meilleure performance d'une voix qui séduit et invite, qui craque du plus profond pour être plus humain; Amy Adams est comme elle comme l'intrigue, accompagne la solitude et la chasse. Le script visuellement poétique, écrit et dirigé par Spike Jonze, nous incite à aimer de la voix, de sa part, de lui, du regard, du cœur quand il s'ouvre, quand il sent, quand il s'exprime dans tous les sens.

2. LE MAÎTRE (Le Maître) 2012

Dir Paul Thomas Anderson

Grand duel d'acteurs entre Philip Seymour Hoffman, Amy Adams et l'immense Joaquin Phoenix, tous nommés pour les catégories d'acteurs stellaires et interprètes respectivement. The Master est un film étonnant, dur et ponctuel sur le fanatisme, les cultes et l'endoctrinement Ils s’attirent et se capturent eux-mêmes, qui prêchent et chassent ceux qui le pratiquent d’une part, et de l’autre souffre de la pratiquer, un viso qui n’est exclusif à aucun culte et qui en est plutôt l’observation universelle. En général, la dianétique et son fondateur sont considérés comme le point de référence pour écrire son récit. Même s’il s’agissait de cette façon de procéder en première instance, cette approche dépasse de mon point de vue une critique spécifique pour ouvrir les enceintes de la réflexion. et du besoin de l'être humain de faire partie d'un groupe, de trouver des réponses, de trouver des solutions à l'angoisse existentielle.

Freddie, un ancien combattant de la Seconde Guerre mondiale, s'évanouit dans la possibilité irrésistible de répondre aux questions les plus élémentaires et les plus pérennes de la vie. C'est dans cet endroit philosophique qu'il trouve Lancaster, qui prône un mouvement, un groupe, une conviction énergétique et mentale appelée cause ". Ce sera le sujet qui unira les personnages, l’intrigue et le message, une recherche d’espoir et de rencontre. Situé dans le décor des années 50, Anderson, qui réussit à présenter ses histoires à différentes époques, explore l’altérité entre enseignant et élève, pasteur et troupeau, de gourou et de dévotion, à une époque caractérisée par un environnement ambivalent, les feuilles d'une guerre, les vents de triomphe et le mirage réel ou fictif de nouvelles étapes.

Enseignant et disciple engagés dans une analyse socratique entre morale, éthique et vérité, adaptation à une société qui semble indifférente ou indolence face aux effets traumatisants de l'approche de la mort entre vos mains: une société axée sur la production, au développement et à la croissance, au travail sans repos et au bien-être financier viable, il ouvre l'espace de ceux qui offrent la spiritualité comme voie et l'attitude requise pour entrer dans le groupe à partir d'une croyance ou d'une doctrine.

Ce faisant, avec une telle discipline, une fois à l'intérieur, je ne pouvais pas partir à volonté. Dans cette synergie d'actions et de réactions, la suppression, l'autodestruction, la prétention et l'attente de l'offre et de la réception sont présentes, faisant de ce film un travail magnifique sur les limites et les extrêmes de la condition humaine.

1. JOB (Joker) 2019

Dir Todd Phillips

César Romero dans la célèbre série télévisée Batman of the 60s, Jack Nicholson dans le film emblématique de Tim Burton et Heath Ledger dans le chef-d'œuvre de The Dark Knight de Christopher Nolan, ont interprété le Joker avec des performances extraordinaires, selon le profil de ses missives, léguant sans cesse une forte demande à ceux qui osent se vêtir des costumes et du maquillage du plus célèbre méchant - au sens cinématographique - des films nés des bandes dessinées, nous pourrions peser le désagréable accueil de Joker in Squadron de Jared Leto suicidaire Un nouvel épisode de ce personnage serait donc un défi, d'autant plus que, contrairement aux films précédents, où le joker est un personnage de casting, dans Todd Phillips ' Joker, il est le personnage central. Joaquin Phoenix a été choisi pour être le protagoniste de ce nouvel opus, à l’exception de la transformation du film en une exploration en profondeur des conflits, des causes, des contextes et des environnements du Joker, explorant ainsi son côté humain et psychologique, le plus utilisé, soulignant ainsi les motivations de son intérieur et les conditions sociales qui en déchaînent la dualité comique et dramatique, des larmes et des sourires qui font du personnage un véritable défi interprétatif.

Phillips, plus connu pour ses comédies hilarantes, dont certaines sont deux superproductions de la première décennie du siècle, comme celles de Old Times, que s'est-il passé hier? Il a été choisi pour diriger de son côté ce projet ambitieux qui visait à donner du sérieux aux univers séparés et partagés de DC Comics, qui ont navigué entre des succès modérés, des critiques du public et quelques succès notables, dont l’un des objectifs était de fournir du sérieux et Profondeur narrative des premiers épisodes de la trilogie de Christopher Nolan sur Batman, qui comprenait la performance monumentale - un oscar de Heath Ledger en tant que Joker. Dans un rôle qui rappelle la comédie du roi de Martin Scorsese (qui a participé au projet), Robert De Niro accompagne Phoenix avec Frances Conroy, entre autres, dans ce voyage pléthorique de significations, une introspection profonde qui rend la performance de Joaquin Phoenix, un exploit d’une valeur interprétative extraordinaire, qui pourrait bien donner au personnage un deuxième Oscar, incarné par un autre interprète et classé dans la catégorie du meilleur acteur.

Sorti à la Mostra de Venise et gagnant du Lion d'or, Joker a reçu les critiques d'autres applaudissements favorables et sans fin du public. Situé à l'aube des années 80, le film explore la frustration et la nostalgie comme une dualité constante, le ricanement, la colère, la fureur contenue dans le visage du rejet, de la discrimination, de l'incompréhension et de la loi absente devant une société. cela semble ne pas s'arrêter ou regarder qui voit, laissant le personnage dans la construction de son propre espace, dans lequel ils peuvent s'adapter à leur rire intempestif et à leur vision du monde. Phoenix incarne le comédien Arthur Fleck, qui, de la comédie manquée, se tourne vers le crime, le chaos et l’anarchie dans Gothic City. Dans cette formule troublante, il confronte les budgets sociaux et les doubles standards de la justice, faisant de protestation ou soulagement, assister à l'attachement absent, et les marques qui continuent aux cicatrices. Avec Joker, Joaquin Phoenix couronne le sommet de sa carrière avec son réalisateur et son personnage, réalisant ainsi une épiphanie dans la réalisation artistique de l’équipe; il est probable que l'interprétation du Phoenix dépasse le film dans sa structure et sa direction narrative, certains critiques le suggèrent, la vérité est qu'un film de critique sociale à portée commerciale et artistique ouvre toujours l'ampoule d'une société qui a submergé dans la dérivation décadente ou l’indolence envers l’autre, les caviles se reflètent dans le miroir du malentendu ou de l’inclusion en tant que point de fuite, de sorte que l’empathie envers le personnage est toujours récurrente à chaque interprétation.

Depuis que The Dark Knight a fait son entrée dans les salles à la fin de la dernière décennie, des dizaines de films de super-héros ont envahi les salles et le box-office, les univers Marvel-Disney, Fox et DC Comics tentent de proposer leurs alternatives. Certaines bandes enregistrent des records et capturent des sommes stratosphériques - il est intéressant de revoir le box-office obtenu par les Avengers dans le monde entier , le dernier jeu - aucune, que ce soit pour des effets visuels spectaculaires, des performances exceptionnelles, des récits attrayants ou des stratégies marketing performantes, a reçu critique qui a obtenu la trilogie de Nolan. Il est également intéressant de noter que l'attention qui attend la première de Joker, sans aspiration à battre des records au box-office, est pour la même raison que le film s'attend à ce que le film admire la performance d'un acteur de fesses, faisant d'un méchant complexe, le même qu'aujourd'hui Phoenix incarne avec succès.

* Ecrivain et réalisateur de documentaires. Considéré comme l'un des principaux représentants de la littérature de témoignage hispano-américain. Il est l'auteur des romans El Surco, El Itamo et des poèmes Navigate Without Rars and Cardinal Points, qui traitent de la migration universelle et ont été étudiés dans diverses universités du monde entier . Il a réalisé les documentaires La journée de la voix humaine et du repos . Il est directeur de la rédaction de Filmakersmovie.com.