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DECALOGUE: Quentin Tarantino (9 films et une fable de ce grand réalisateur)

Il y avait une fois 9 films et une fable

Il était une fois à Hollywood, le neuvième film du canon du film de Quentin Tarantino était reçu avec de bonnes critiques et les applaudissements du public, qui reconnaissaient le cadre comme la meilleure contribution du film, un portrait de la fin des années 60., situé à l’été 1969, année mémorable pour l’assassinat du modèle Sharon Tate, couple du réalisateur alors controversé mais énigmatique, Roman Polanski, aux mains d’une secte inspirée par les discours et les dogmes de Charles Manson. Outre la conception de la production, le public et les critiques réunis au Festival de Cannes ont tenu une fois à Hollywood les représentations de Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie et Al Pacino, entre autres.

La première du film coïncide avec le 25e anniversaire de la réalisation de Violent Times, le film novateur, irrévérencieux, éclectique, post-moderne et fascinant du scénariste Tarantino, qui a consolidé la carrière du réalisateur et ouvert une nouvelle perspective narrative à la cinématographie. des années 90, plusieurs cassettes ont été diffusées entre crime, carrefour, complicité, romance et violence, qui renaissent du cinéma noir . Les suspects communs, dirigés par Brian Singer et écrits par Christopher McQuarrie, ou la nudité Los Angeles de Curtis Hanson, étaient quelques-unes des bandes extraordinaires qui ont prolongé le succès remporté par la corruption judiciaire d' Abel Ferrara, Fire Against Fire de Michael Mann et la pièce Maître de chiens de réserve, que Tarantino avait lui-même à juste titre désigné comme son premier opéra.

Depuis son apparition dans l'industrie cinématographique, le cinéma de Tarantino a attiré l'attention sur sa proposition narrative au niveau du scénario et sur sa chorégraphie visuelle concaténant l'intrigue avec des séquences chargées de musique, d'énergie, de tension, d'humour et, oui, aussi la violence; C’est pourquoi l’approbation de la critique a été considérable et, au niveau de l’audience, le réalisateur, film par film, est devenu un aimant du guichet et un attrait inhérent aux festivals du film, ainsi qu’une icône du culte et des études dans les programmes des studios de cinéma. .

DECÁLOGO dédie cette prestation à la commémoration du 25e anniversaire de la création de Violent Times, le film fondateur qui relancera la carrière de John Travolta, tout en renforçant les attentes suscitées par Once Upon a time à Hollywood . neuf films du réalisateur né à Knoxville, qui a franchi le pas du cinéma indépendant au cinéma d’études et s’établit pour son propre mérite, sur la base de plusieurs réalisateurs et honorant des films classiques mythiques, comme une marque record de la cinématographie universelle.

Je me souviens d’avoir vu des épisodes violents au cinéma et, bien qu’il n’y ait pas eu de restriction ou du moins que je n’ai pas eu à le voir, je dois admettre que, préférant tendre aux autres types de réalisateurs, c’était une expérience hilarante. Critiqué par certains, vanté par d'autres, Tarantino déchaîne les passions qui pèseront également sur sa capacité à concaténer ses scripts de manière non linéaire, ce qui nie les abus de sang ou la violence comme source de morbidité et d'attirance. La vérité est que visuellement et structurellement, à partir de ses scénarios, le cinéma de Tarantino provoque et génère le débat qui imprègne de chagrin la ligne de séduction; pour certains surestimés, pour d'autres peu reconnus, son travail est devenu une cause d'espoir pour le réalisateur et le public, et à sa manière le défi du défi. Comme dans la plupart des décalogues, l’ordre des cassettes attache de l’attachement, du goût ou de l’impact personnel au travail du chanoine du réalisateur agnostique membre de l’Académie des arts et des sciences de la cinématographie.

10. ANNIVERSAIRE DE MON MEILLEUR AMI (L'anniversaire de mon meilleur ami) 1987

Le titre de ce décalogue sert neuf bandes et une fable, et bien que la fable puisse faire référence au titre du dernier film du cinéaste, il souligne un film partiellement perdu. Tourné en noir et blanc et d'une durée initiale de 70 minutes, le film a été brûlé dans une grande partie de ses négatifs. Il est considéré dans son concept de long métrage perdu; Cependant, environ 30 minutes ont été conservées et ont été éditées comme des vestiges de l'exercice primé de ce premier réalisateur. Dans l’assemblée, nous trouvons des éléments narratifs du cinéaste, tels que des dialogues dérivés et un mouvement de caméra angulaire qui juxtaposent la séquence en mouvement, ainsi que ses performances qui ne sont pas très éloignées de celles que nous verrons dans les bandes suivantes. Tourné en 16mm pendant près de 4 ans, dans lequel le réalisateur a travaillé dans Video Archives, magasin à louer et collection de films en Californie, traite de l'amitié et de la recherche d'un État heureux sans le trouver.

Le film a acquis des nuances de culte non seulement à cause du sens qu’il confère à la première approche du réalisateur, mais aussi parce qu’il confirme la tendance romantique et l’influence cinématographique des cinémathèques des années 80, qui étaient des laboratoires d’idées et de projets, tels que Il reflétera plus tard Michel Gondry Rewind .

9. DJANGO SANS CHAÎNES (Django Unchained) 2012

Bien que Tarantino ait évoqué dans le cadre de ses films diverses époques, par exemple Jackie Brown avec une nuance des années 70 et la réalisation de Bastards sans gloire situés dans la Seconde Guerre mondiale, ce n’est pas avant Django sans chaînes que ère qui au niveau du film a eu un grand impact sur le jeune Tarantino, le Far West. Le réalisateur lui-même a souligné l’influence que la bande a eue dans son travail, et il n’est pas surprenant que le professeur Ennio Morricone ait inclus certains thèmes dans ce film et plus tard, malgré ses divergences., a entièrement composé la musique originale du projet du réalisateur suivant.

À Django sans chaînes, on remarque l'influence des bandes japonaises au milieu du XIXe siècle et les films du Far West intronisés par des réalisateurs américains tels que Sam Peckinpah et de l'autre le groupe de cinéastes dans lequel se distingue le grand Sergio Leone et cela fait des westerns spaghettis un genre en soi. Tarantino définit le développement de son complot dans la guerre de Sécession, ainsi que dans les expéditions, contextes complexes, profonds et douloureux d'esclavage, de discrimination et d'appropriation de la terre.

Leonardo DiCaprio, Jamie Foxx, Samuel L. Jackson et Christoph Waltz dirigent le casting de ce film qui, entre rachat, émancipation, ajustement des comptes et critique sociale de la traite des êtres humains, développe un parcours d'ententes, d'alliances fidèles Des accords inéquitables et une histoire d’amour se sont ajoutés au style visuellement violent du réalisateur, qui offre de beaux paysages et des horizons cuivrés qui créent une atmosphère de terre et de sang mise en valeur par la photographie de Robert Richardson. Django sans chaînes a décerné à Tarantino l'Oscar du meilleur scénario original, ainsi que Christoph Waltz pour la deuxième fois qu'il a été reconnu meilleur acteur dans un second rôle, en réitérant la victoire dans la même catégorie et sous les ordres du même réalisateur.

Plusieurs éléments se détachent sur la bande. C’est le premier film de Tarantino dont le montage n’était pas dirigé par Sally Menke, décédée deux ans plus tôt, et qui lui permettait, d’après le réalisateur, de s’attaquer au problème de l’esclave de son pays sans se plonger dans aspect social de ses différents thèmes, mais en essayant de faire une percée de la réalisation cinématographique.

8. LES 8 PLUS HUIT (Les Haineux Huit) 2015

Sa position dans le décalogue sert plus au goût de la numérologie, même si elle pourrait occuper la position précédente. Cet hommage franc au cinéma d'Akira Kurosawa, ainsi que les westerns spaghetti de Sergio Leone, a suscité un accueil plutôt chaleureux de la part de la critique et du public. On se souvient de lui pour avoir finalement décerné l'Oscar de la meilleure partition. Original en compétition pour Ennio Morricone et surtout pour avoir été tourné en Panavision 65mm puis transféré sur le glorieux 70mm qui lit la publicité de la bande, rappelant, entre autres, les glorieux formats tels que Cinemascope of the 50s, qui Ils se sont distingués même par leur innovation technologique dans les chapiteaux de théâtre, qui offraient dès le début une promesse romantique pour sa création. Samuel L. Jackson, Kurt Rusell, Jennifer Jason Leigh, Tim Roth, Michael Madsen, Demian Bichir, Walton Goggins et Bruce Dern intègrent le casting de ce film qui, filtré en 2013, semblait ne pas voir la lumière avant que Tarantino ne décide Enfin, ne le faites pas comme un roman mais comme un film.

Pour ce film, il s’inspire de l’immense série télévisée des années 60, telle que Bonanza, et du thème de la vengeance volontaire qui renforcent l’argument de The Seven Samurai de Kurosawa susmentionné, son adaptation The Magnificent Seven de John Sturges et The Unforgivable Clint. Eastwood, en soulignant la camaraderie, l'amitié et la loyauté du groupe des hors-la-loi qui donnent une légère mais substantielle différence en ce qui concerne le sentiment de trahison ou de suspicion qui prévaut dans les bandes des autres directeurs. De la même manière, Tarantino réfléchit au scénario avec des dialogues lâches qui se combinent avec le développement du thriller et amalgament le tessellation de l'humour noir avec la dérivation d'une tragédie avec le sens générique de la rédemption de ses personnages, soulignant la performance de Jason Leigh, qui a été nominé pour la meilleure actrice dans un second rôle. La photo de Robert Richardson est à mon goût sinon la meilleure, l’une des meilleures de loin dans le canon Tarantino, soulignant l’utilisation des couleurs noir, blanc et rouge, qui clarifient le contraste de la montagne, de la plaine, de la Prairie et marais.

Tarantino souligne le nombre de ses films et le titre rappelle au téléspectateur que c'est la huitième tranche de son offre de films, à laquelle il a promis d'ajouter 10 cartes postales. Il s'agit d'une carte postale à long terme dans sa version étendue, qui comprend dans le style le plus pur des projections dont nous disposions encore comme une sorte de deux lots en un jusqu’à la fin du siècle dernier.

7. JACKIE BROWN (Jackie Brown) 1997

Personnellement, le scénario de Jackie Brown semble splendide, d’une part prudent, continu et précis, de l’autre ouvert, dynamique et spontané, c’est aussi la seule adaptation directe que Tarantino ait faite d’une œuvre littéraire, dans le cas présent. le roman Rum Punch par Elmore Leonard. Avec Pam Grier, Robert De Niro, Bridget Fonda, Samuel L. Jackson (lauréat du prix du meilleur acteur au Festival de Berlin), Michael Keaton et le magnifique Robert Foster (nominé aux Oscars du meilleur second rôle masculin), Jackie Brown a photographie de teinte ocre bleuâtre, typique du photographe mexicain Guillermo Navarro, qui combine parfaitement la structure la plus linéaire de son argument par rapport aux bandes de l'autre réalisateur.

La violence est plus ténue et les dialogues impliquent une résolution concaténée de situations qui poussent le personnage de Grier à l'extrême, passant d'un travail d'agent de bord au risque élevé de passer clandestinement dans une sorte de cercle sans fin ou de chemin de non-retour, et la conversion du protagoniste d’innocent en délinquant, conduisant la poursuite de l’affaire dans une stratégie qui ne perd pas de l’humour et des questions profondes qui mettent l’accent sur des questions complexes ou controversées. Tarantino aborde le déterminisme, le racisme, ainsi que l'adaptation et l'affirmation de la langue en tant qu'infraction, défense et pouvoir, plaçant l'identité comme un élément fondamental qui dépasse le complot du complot lui-même.

6. GLORIA BASTARDS (Inglorious Basterds) 2009

Un des films les plus longs du réalisateur autochtone du Tennessee, Bastardos sans gloire, présente une proposition narrative de fiction alternative sur un fait historique, développant au niveau littéraire le droit de création permettant de supposer, d'interpréter ou d'adapter un fait réel ou des événements fictionnels historiques à partir d'un film. situation alternative (le fait: la seconde guerre mondiale; le remplaçant: les bâtards et leur mission).

Brad Pitt, Melanie Laurent et Christoph Waltz jouent le rôle principal dans ce film qui rassemble des histoires entremêlées dans un double objectif: vengeance et justice, ou punition et vengeance. Pour ce faire, il recourt à un scénario uchronique sur la Seconde Guerre mondiale et le nazisme. . L’alliance implicite des personnages autour de l’élimination des nazis ou de la vengeance pour leurs crimes contre l’humanité fournit un corollaire de complicité non intentionnelle mais efficace, qui unit les soldats de l’armée alliée et les membres de la Résistance dans une commune résiliente. Les récits évoluent parallèlement, ce qui, dit-on, sera à la croisée des chemins avec un événement narratif, fourni par des causes qui fonctionnent comme des nœuds ou des liens, la vocation de justification, la promesse de la justice et la punition du crime. Le directeur présente donc une proposition de nostalgie pour ceux qui souhaiteraient avoir accompli ces actions ou se sont produits; l'éthique morale, les doubles standards, les intentions secrètes, les désirs manifestes, la colère, l'indolence et l'ignominie imprègnent l'intrigue et relient non seulement les histoires, mais aussi les buts d'un passé qui s'est passé, mais que le réalisateur aurait voulu réaliser d'une manière différente, pas dans l'issue de l'événement, mais dans la poursuite de la justice pour les offensés.

Le cœur du film est le cinéma, fonction dont la projection peut faire converger l’horizon des événements, où les personnages et leurs missions respectives atteignent un niveau d’épiphanie; Il pourrait être classé comme l'un des films les plus viscéraux du réalisateur, où la raison, le pardon ou la complaisance sont inadmissibles face à des atrocités et des souillures, une position intentionnelle manichéenne voulant que, dans le débat public, les critiques et l'analyse historiographique d'une position fictive, revisiter étant une bande audacieuse dans sa réalisation mais soumise aux jugements de l’histoire.

5. IL ÉTAIT UNE FOIS À HOLLYWOOD (Il était une fois à Hollywood) 2019

Le neuvième film de Quentin Tarantino, mis en garde dans la promotion du film, annonçait que le dixième approchait (et avec lui, la retraite promise par le réalisateur), Il y avait une fois à Hollywood nous rappelant de son titre à la bande Une fois au Mexique, réalisé par le collègue et ami du réalisateur Robert Rodríguez, mais plaçant son thème comme une histoire se déroulant parallèlement à l'histoire elle-même, comme il l'a fait à Bastardos sans gloire . Leonardo DiCaprio, Margot Robbie, Brad Pitt et Al Pacino, parmi une affiche très large, figurent dans ce film qui définit avec brio le contexte historique et culturel de 1969 entre le psychédélisme, les mouvements sociaux et l’arrivée des premiers visos postmodernes.

L’assassinat et la secte qui l’a perpétré sont le motif historique du véritable Hollywood, tandis que l’intrigue d’un acteur et d’un double complètent la fable Hollywood qui affiche un humour volontaire et involontaire mêlé de psychose, de crimes et d’idéologies convergent entre les différentes formes d'existentialisme, d'anarchie et de soumission aux systèmes en vigueur. Crime et mystère fourmillent dans les vericuetos et les vicissitudes du couple formé par DiCaprio et Pitt - dans lesquels Tom Cruise semblait être enchâssé, avec lesquels le directeur voulait travailler, ce qui pour diverses raisons ne s'est pas produit - pour exceller au milieu du secteur, avec ses hauts et ses bas, ses préjugés et ses explosions.

Le réalisateur présente les différences de son temps entre le cinéma et la télévision, ainsi que la difficile transition d'un histrion à l'autre, ce qui, dans le contexte actuel, semble inconcevable, d'autant plus avec la pléthore de formats existants, mais d’ici là et jusqu’aux années 1990, cela a fait toute la différence. Le film montre un énorme Bruce Dern qui sert de catalyseur étrange à la complicité et à la complaisance, ainsi que Luke Perry dans sa dernière performance, ainsi que des acteurs de acteurs récurrents de Tarantino tels que Tim Roth, Michael Madsen ou Kurt Rusell. Le film, le premier film de Tarantino sans ses précédents producteurs en raison de deux scandales sexuels, est sorti au Festival international du film de Cannes et a reçu des critiques plutôt positives. Bien que l’on puisse accuser l’importance d’un événement tragique, la direction provocante et suggestive du réalisateur ainsi que les représentations modulées et charismatiques de ses protagonistes se démarquent. Il convient de mentionner que son succès phénoménal est garanti, mais il conviendra également de savoir à quels prix il pourrait être soumis et, en particulier, comment il sera remporté à moyen et à moyen terme par le public et les adeptes du réalisateur.

Crime, Hollywood et l'histoire ont été les points centraux d'autres films classiques, qui associent deux ou trois des sujets énumérés: la rédemption, la fatalité et le destin déclenchés par diverses situations concaténées, comme une constante dans Tarantino, font partie des efforts de Rick Dalton, DiCaprio, pour avoir été quelqu'un où le concept d'être concerne davantage l'industrie, le capital et la renommée que d'être lui-même, laissant des lacunes, des lacunes et des visas ouverts sous le couvert du hasard. Il y avait une fois à Hollywood, nous dit dans son titre, que Hollywood et l'espace-temps que nous fréquentons dans le film n'existent plus, il était et ne reviendra pas, comme le temps que le réalisateur a placé il y a 50 ans, ses années de conte de fées, Ses années d'enfance.

4. KILL BILL THE REVENGE Vol 1 (Kill Bill V. 1) 2003

La première partie de son traité sur la vengeance, Kill Bill, personnifiée par Uma Thurman dans le rôle de The Bride, présente une prémisse cruelle tirée de son titre: kill Bill, le pourquoi, les causes, peut-être les raisons, les ressentiments, les motifs, ils constitueront une partie importante de la structure du scénario qui nous attire autant vers le passé que vers le futur que pourrait affronter le protagoniste en cas de survie du présent et de ses vericuetos. Kill Bill est devenu une référence pour les futurs films d’action et un standard pour les bandes chorégraphiées. Il présente des séquences assoiffées de sang, violentes et débordantes qui mettent le canon de Tarantino en apothéose. . La tentative d'assassinat d'un enfant à naître et les raisons de ce fait nous entraînent dans cette histoire présentée en deux volumes, qui, bien qu'ils servent la même histoire et puissent être définis comme un seul film sorti en deux parties, montrent une différence subtile mais notoire. Il convient de souligner ou de partager dans ce décalogue que, comme dans toutes nos livraisons, il s’agit d’une observation personnelle.

Pour faire une rétrospective, j’ai apprécié la première partie plus que la seconde, peut-être à cause du sentiment de surprise provoqué par la première viso, mais j’estime que la seconde a une profondeur de caractères plus grande et c’est sur cette prémisse que j’élaborerai ses sections. En plus de reconnaître le cinéma japonais des années 50, Kill Bill est dans son ensemble un hommage aux bandes de karaté des années 70, chinoises et en particulier de Hong Kong, dont certaines avec Bruce Lee, ainsi que l'anime. qu'ils ont ensuite inondé l'industrie graphique du divertissement japonais; Il fait même allusion au public de séries télévisées comme Kung Fu, mettant en vedette David Carradine lui-même, Bill. Le volume 1 était tout à fait un événement pour la date de sa création et comme il le faisait, Violent Times acquiert, outre le culte et les récompenses, un statut de bande générationnelle influençant divers cinéastes, films et franchises ultérieurs; Il suffit de mentionner John Wick, où la chorégraphie et la musique deviennent un double élément définitif de sa structure narrative et visuelle, et donc de la valeur du travail de Master Woo-Ping Yuen. Dans Kill Bill V. 1, outre la vengeance en tant que motif et support narratif, complot, complicité, complot, détermination et identité se démarquent, formant un corollaire d’émotions qui à l’écran se traduisent par des blessures, du sang, des regards, des actions et des réactions exacerbées ou d'exagération manifeste.

La bande originale mixe des chansons d’Ennio Morricone, Bernard Herrmann ou Quincy Jones et progresse au fur et à mesure que The Bride avance dans le rôle de sa liste, celle qui inclut les noms à l’époque des objectifs, rappelant le genre Grindhouse et son contenu bizarre, ainsi que chercher la tâche de générer un impact similaire d’attraction vers le provocateur. Ce n’est pas un hasard si Tarantino a tant apprécié le chef-d’œuvre coréen Oldboy de Chan-wook Park qu’elle faisait partie d’une trilogie qui portait précisément sur la vengeance.

3. KILL BILL THE REVENGE V. 2 (Kill Bill V. 2) 2004

Deuxième partie de son traité sur la vengeance, Kill Bill V. 2 est un film qui complète une saga, mais qui possède une identité propre, ancrée dans son profil plus dialectique, à travers des dialogues plus importants que les scènes d'action dominantes. dans la première partie, ce qui prépare subtilement les derniers événements du volume et de la bande en tant que concept final, à travers un chemin de rencontre et de libération. On pourrait même dire qu'en analysant les dialogues, il est possible d'avertir que l'intrigue a des séquences à devenir, ce qui pourrait bien être filmé par un autre réalisateur, ceci au cas où il serait confirmé qu'après un dixième enregistrement de Tarantino, il n'en dirigera plus, ce qui n'enlève rien. Écrivez différents scripts comme au début, en soulignant le script True Romance dirigé par le regretté Tony Scott.

Kill Bill V. 2 est une appréciation philosophique agréable de la compassion, de la transcendance en tant que possibilité, au centre de laquelle tremblent le mensonge, la vérité et la supposition, le développement de l'intrigue offre une tension plus intense que dans le volume initial, et Le réalisateur y parvient sans faire appel à la violence, mais dans l'attente de celle-ci. Ainsi, la confrontation finale est une sorte de point culminant de l'opéra qui, après le débordement d'énergie du premier volume, apaise les passions pour les laisser couler comme cette libération consciente qui cherche son protagoniste, le soulagement avant le vide. Le film ne s'avère pas être une parole de vengeance en soi, mais aussi une approche de la révélation d’une histoire prise entre les temps de son développement, et qui ne va pas au passé comme son scénario, ni à devenir comme elle l’annonce la structure narrative est une promesse, mais jusqu'à présent, comme nous l'avons indiqué dans la première partie, réside dans la survie du protagoniste dans le présent, oui, motivé par le désir de tuer Bill ou de se racheter. Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Michael Madsen et Daryl Hannah font partie de la grande distribution de la saga.

2. VIOLENT TIMES (Pulp Fiction) 1994

Une série d’histoires liées au destin, aux époques et à l’espace capricieux de les retrouver du point de vue de leurs personnages font des épisodes violents un film extraordinaire à un moment de l’histoire où la violence dans le monde se produit mais se cache dans les recoins. de l'après-guerre et la montée de nouveaux horizons définissant les frontières. Au milieu de ces débats mondiaux, l’attention portée à ce qui se passe entre les récits intimes s’appuie sur la force du récit, de l’invention, de la fiction et, dans cette fiction de la réalité, de la violence comme un ode à l’ambition, un ajustement des comptes et réussi, Gravita Tarantino à offrir son travail le plus loué et la bande qui pourrait bien, même à partir de son look vintage et régressif, définir la dernière décennie du millénaire.

Un film postmoderne dont le récit joue à la fois la structure non linéaire et la structure sensorielle, où les rebondissements et les explications sur les actions de ses protagonistes ne sont ni justifiés ni jugés, mais se produisent, et quand ils se produisent, ils laissent des conjectures tournantes au spectateur. Avec des acteurs diversifiés, Violent Times a relancé la carrière de John Travolta et, à son tour, sa capacité à faire de la danse une réplique du scénario, et l'a fait au rythme d'Uma Thurman, de Samuel L. Jackson, de Tim Roth, de Ving Rhames et Bruce Willis, Harvey Keitel et Christopher Walken, entre autres. Girl, tu seras bientôt une femme par Urge Overkill, elle-même positionnée comme faisant partie de la bande originale, et Chuck Berry ne peut jamais dire dans la mélodie d'une danse épique qui a rendu la bande emblématique, qui réussit à faire chaque séquence est une combinaison hilarante de musique, gestes, chorégraphies, smokings, sang, coiffures ébouriffées, trahisons et crime. Parmi les préludes, les situations et les confusions de l'enchevêtrement mêlant références culturelles et contre-culturelles ont permis à ses œuvres de devenir très populaires et de gagner en notoriété pour les nominations aux Oscars dans l'une des années les plus compétitives de l'histoire, Dreams of escape, Quiz Show, quatre mariages et un enterrement et le gagnant, au grand dam de beaucoup, Forrest Gump ; Cependant, le Festival de Cannes a été frappé par des moments de violence et a reçu la Palme d'or. Le film joue avec l'ironie de son titre, qui renvoie au cœur même de la réalité créée et, depuis sa création, génère un et plusieurs des histoires qui sont finalement les mêmes, et il le fait à partir de l'imaginaire fictif de son directeur de culte.

1. RÉSERVE DOGS (Reservoir Dogs) 1992

Travail de sommet pour mon goût du cinéma Tarantino, chef-d’œuvre du cinéma néonoir, Reserve Dogs est un film fondateur qui curieusement acquiert cette catégorie après le succès de Violent Times, lorsque la critique et le public revisitent le premier opéra du réalisateur. Comprenez l'impact de ce qui a généré un tel niveau d'étonnement dans l'industrie. Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney et Michael Madsen constituent la distribution épique d'un film classique.

C'est précisément grâce à Harvey Keitel que ce film a été tourné avec un budget plus important, en s'engageant pleinement dans sa réalisation et en attirant des investisseurs pour soutenir la bande d'un réalisateur alors inconnu. Incarnation du cinéma indépendant des années 90, Reserve Dogs explore l’intrigue d’un scénario extraordinaire, dynamique, mystérieux et décisif, mêlant confusion et clarté, tout en préservant l’identité anonyme de ceux qu’ils considèrent, il y a quelqu'un qui a dénoncé le coup des criminels par les criminels eux-mêmes, et donc les faits ne se sont pas révélés comme prévu, le coup d'État. Le groupe criminel est identifié sans se connaître en cataloguant sa dénomination par des couleurs, un symbolisme qui sert bien au croisement des balles perdues et un contrat qui, à son tour, joue avec les avancées non linéaires du scénario . Tour à tour, analepsie, ellipses, paraphrases, flashbacks, entraînent l'audience à une limite qui communique la violence et le sentiment de suffocation et de survie qui élimine les liens de ceux qui attendent, comme dans L'ange exterminateur de Luis Buñuel, dans un tenir son résultat.

Fortement influencé par The Killing de Stanley Kubrick, Tarantino déploie son arsenal de techniques visuelles et narratives qui jouent le même rôle dans le scénario que dans celui de l'utilisation rapprochée de personnages et d'éléments en attente d'événements ou les précédant, comme si elle préparait une combat, et tempère la découverte de plus de nœuds pour le public alors que nous entrons dans l’histoire et nous identifions avec les personnages jusqu’à ce que nous apprenions à les connaître, ce qui se passe de la même manière. La prise de Pelham 123 de Joseph Sargent, The Wild Bunch de Sam Peckinpah sont quelques-uns des films auxquels on peut penser, soit par la dénomination symbolique des personnages, soit par leur condition d'alliance et de tragédie, soit par des actes de violence tels que une ressource, ainsi que le titre qui vient de Le revoir les enfants, de Louis Malle.

L'humour noir qui caractérisera Tarantino et les références ponctuelles de la langue apparaissent couramment dans la mesure où la situation limite se traduit par une sorte de résolution inexorable de l'urgence. Audacieux, brillant et plein d’énergie, Reserve Dogs est l’un des meilleurs films des années 90 et indépendant des États-Unis. À mon goût, avec Violent Times, figure parmi les meilleures offres du canon Tarantino.

* Ecrivain et réalisateur de documentaires. Considéré comme l'un des principaux représentants de la littérature de témoignage hispano-américain. Il est l'auteur des romans El Surco, El Itamo et des poèmes Navigate Without Rars and Cardinal Points, qui traitent de la migration universelle et ont été étudiés dans diverses universités du monde entier . Il a réalisé les documentaires La journée de la voix humaine et du repos . Il est directeur de la rédaction de Filmakersmovie.com.